История одной песни. ч.1

Фирма Мелодия, год 1972 г. На обложке: «Лютневая музыка XVI-XVII веков», ниже – «В. Вавилов». Не уточняется, но обычно это должно означать «исполнитель – В.Вавилов». Перевернем конверт. Итак: 10 произведений. Из них только три – действительно, исполняет В. Вавилов (лютня). Как-то непонятно – почему же только его фамилия на обложке?.. Наверно, он играет все на лютне, а остальные ему аккомпанируют – кто на флейте, кто на валторне, а кто и на органе… Ну да ладно.
Первое же произведение – так и написано: Франческо ди Милано, «Канцона и танец». Содержание пластинки есть в Интернете, «Канцона» появляется многократно, например, здесь: http://ru68guit.km.ru/images/hstrclspg/kanzona.wav – нажимайте и слушайте на здоровье (особенно первую часть, которая и есть «Канцона»,- а вторая, соответственно, «Танец»). Действительно, очень похоже на нашу песню. Есть, правда, отличия в мелодии (особенно в «припеве»), да и в гармонике.
Желающие могут посмотреть ноты, они тоже есть в Интернете — по адресу
abc-guitar.narod.ru/pages/music/scores/canzone.gif :

Ну да ладно. Отличия отличиями, но авторство музыки установлено. Осталось только, для порядка, добавить: «написана в…» А кстати, когда она, собственно, написана? На этой странице нет – вот досада! Ладно, поищем в Гугле по запросу «Kanzona Francesco da Milano» (именно «да», а не «ди»). Вызываем… что такое? Почему только один адрес, причем РУССКИЙ? Я что, установил специальные ограничения? Да вроде нет. Так, посмотрим – а может, Франческо да Милано неизвестен в Интернете? Набираем запрос «Francesco da Milano» — получили массу всего. Ну хорошо – может, надо писать слово «Канцона» иначе – скажем так, «Kanzone». ОК, есть 58 результатов. Начинаем смотреть – сайты на разных языках: что по-английски, что по-немецки, что еще на чем-то… Ладно, посмотрим первые.
Первая же страница разочаровывает: Kanzone есть, но… «by Josquin des Pres», а Франческо да Милано – автор другого произведения – «Fantasia». Следующая страница – опять не то… На ней (как, впрочем, и на третьей) Милано – это название города, а Канцона – сама по себе. Так, чтобы город не мешал – изменим несколько запрос…
Попробуем так: «Сanzonа». Тут ссылок много: 64, как поле на шахматной доске. Еще больше страниц – 80 – если записать так: «Сanzone». Начинаем просматривать страницу за страницей – все не то, просто на каком-то диске или на концерте исполнялось что-то «Francesco da Milano» и чья-то «Сanzonа»: то Телемана, то Джованни Габриэли, то Перселла, то еще чья-то… Просматривать их всех несколько утомительно, но приходится…
Я не буду докучать читателю историей того, как я пытался все-таки связать эти два понятия – «Канцону» и имя итальянского композитора с помощью Интернета. Желающие могут сами проверить эти 58+64+80 ссылок. Скажу прямо: до +80 я не добрался. Потому что остановился и сказал себе: что за гадания? Передо мной – ноты (см. выше). На них, правда, по-русски написано «Франческо да Милано», но все остальное – должно быть из оригинала (итальянского). Давайте поищем таковой.
Довольно скоро я нашел и списки произведений Ф. да Милано, и диссертации, ему посвященные, и ноты – правда, не «Канцоны», а другого материала, которые (например, по адресу guitaronline.it/damilano/damilanofantn35.gif) выглядели примерно так:

Не нужно быть большим специалистом, чтобы сравнить эти ноты с нотами «Канцоны». Как-то… непохоже, что ли?
Оставим историю моих терзаний. Важен результат – 0 (ноль). Пересечение отсутствует. И это при том, что вообще страниц, повествующих о нашем Франческо (да простится мне это панибратство, но к этому моменту я уже ощущал его родным и близким человеком) только на итальянском языке – 811! (восклицательный знак – не факториал, а выражение эмоций). Как же это они прозевали такую известную мелодию?
И, кстати: откуда вообще появились эти ноты?
И вот еще: а что мы знаем о Франческо да Милано?
Вообще-то лютня зародилась не в Италии. Примерно в 8-м веке мавры завезли в Европу, вместе с исламом, много чего интересного – с точки зрения культуры. В частности, персидский струнный щипковый музыкальный инструмент, который назывался «уд»(гусары, молчать!). Именно так он называется и сейчас, а с арабским артиклем – «аль-уд», что в испанском языке превратилось в «лауд». Путешествуя по европейским языкам, лауд получал новые имена: «лаут», «лют», «люта», «лютня».
Было бы несколько затруднительно с точки зрения наших сегодняшних музыкальных представлений строго определить, что же представляла собой лютня. Время было несколько менее формальное, чем сегодня, и даже количество струн не фиксировалось. Точнее – пар струн, так как начиная со второй – струны были парными. И поэтому когда мы читаем о 5-струнной лютне – надо понимать, что речь идет об пяти рядах, из них первый – это просто струна, а следующие четыре – пары; итого, следовательно, 9 струн. Так вот, были распространены 5-рядные, 6-рядные и 7-рядные лютни – соответственно было в каждой из них 9, 11 и 13 струн. Но затем число рядов варьировалось – до 13 (соответственно 25 струн), а впоследствии стали добавлять и одиночные басовые струны, и число рядов (большинство из которых были уже непарными) доходило до 20.
Непростым вопросом была и настройка лютни. Первую струну настраивали, как правило, на «соль» (иногда, впрочем, на «фа» или «ля»), а затем – по интервалам: кварта, кварта, терция, кварта, кварта – в расчете на 6 рядов, что, собственно, и представляло собой более-менее принятый стандарт 16-го века – века расцвета лютневой музыки.
А лютневая музыка тогда именно расцвела. Она стала главным инструментом, популярным и у буржуа, и среди аристократов (сохранилась картина, изображающая королеву Елизавету с лютней). Лютня гремела (и в прямом, и в переносном смысле этого слова) по всей Европе – в Дании и Англии, в Голландии и Польше, в Германии и в Испании, но центром ее была, разумеется, Италия.
И здесь, в Италии, в 1497 г. родился самый известный из всех лютневых композиторов, которого тогда еще звали Франческо Канова. Придет время, когда он станет придворным лютнистом, когда Ватикан на протяжении четырех пап будет бережно подшивать в архив каждую написанную им страницу, и тогда его имя будут произносить несколько иначе: кто «Франческо да Милано», а кто и скромненько — «Божественный Франческо». Кстати, даже насчет «да Милано» (т. е. «из Милана») – дело сомнительно. Похоже, родился Франческо все-таки не в Милане, а в маленькой деревушке Меланезе. Разница – примерно как между городом Орел и местечком Орловка (хотя последняя и дала Израилю как минимум двух министров: Рафаэля Эйтана и Звулуна Орлева). Но, разумеется, «да Милано» звучало красивее.
К слову сказать, в 16-м веке были и другие композиторы, которых считали великими. Например, Мельхиор Нойзидлер, Якуб Рейс, Луис де Милан. И все-таки выбор кардинала Медичи пал на Франческо. Меня не было при принятии кардиналом этого исторического решения, но я могу позволить себе следующее замечание.
Большинство известных лютневых композиторов родилось в Италии. Но на этом их сходство не кончается. Многих их них объединяла та же черта, что и композиторов, писавших музыку к советским кинофильмам 30-х гг. А именно – некоторые из них таки были… евреями. Правда, как правило — крещеными, но и эти продолжали жениться между собой, и держались как-то… ну, скажем, обособленно. Время же было тогда ох какое (для евреев) интересное – только что (конец 15-го века) последовали изгнания евреев сразу из нескольких стран. Папу Анаклета 2-го когда-то за глаза называли «еврейчиком», поскольку его прадед (!) был крещеным евреем. А тут… Так что кардиналы и герцоги, надо полагать, смотрели на этих крещеных лютнистов примерно так же, как в 70-е годы власти СССР смотрели на евреев – членов КПСС. И разъезжались эти лютнисты по всей Европе – от Англии до Польши, где об их неарийском происхождении вспоминали меньше, а то и вовсе не знали (во всяком случае, воспринимались они там как итальянцы).
Я ни в коей степени не пытаюсь умалить величие Франческо Канова да Милано, прозванного Божественным. Он – великий новатор, он заслужил свое место в истории музыкой, дошедшей до нас. Замечу только, что те, кого не опекали ни герцог Гонзаго, ни папский престол – их музыка не сохранилась, так что и сравнивать нечего. Амен.
Желающие узнать еще что-нибудь о жизни великого композитора могут посмотреть посвященную ему статью в итальянской энциклопедии. Кстати, итальянцы в своих энциклопедиях не скрывают еврейского происхождения – ни Иммануэля Римского, ни Колумба, ни сподвижников Гарибальди, ни Альберто Моравиа. Так что…
Короче: Франческо (Канова) да Милано ЕВРЕЕМ НЕ БЫЛ. И заодно отметим: стихов не писал. И наконец…

Итак, мы пытались совместить Канцону с Франческо Канова. Интернет выглядит при этом как-то жалко, пока… пока не переходим на русский язык. Здесь одно упоминание его имени уже дает аж 709 ссылок! Причем – по крайней мере 100 из них однозначно связывают его имя с этой самой мелодией. Итальянский же Интернет – 8 пересечений (только слово «Canzona» надо писать правильно), и все – случайные. Так что здесь мы Запад (включая родину великого композитора) догнали и перегнали.
А все-таки – откуда взялись приведенные в начале ноты? Дело ведь в том, что лютневые композиторы нотами свою музыку не записывали. Для этого существовала другая система записи – табулатура (точнее, несколько видов табулатур). То есть даже если это музыка Ф. Канова – кто-то другой записал ее нотами. Кто же? Во всяком случае – НЕ ИТАЛЬЯНЕЦ, потому что (см. выше) по-итальянски правильно писать «Canzona». И вот еще что: приведенная нотная запись НАПЕЧАТАНА или НАПИСАНА ОТ РУКИ? Рассматривая картинку, со всей очевидностью приходишь к противоположным выводам…
Но вот получил я письмо из Франции, от М. Мовшица, в прошлом – аккомпаниатора АХ. Так вот, он припомнил, что… видел ноты этой музыки в каком-то учебнике сольфеджио. В каком? – чуть не закричал я, но по и-мэйлу это сделать сложно. Мовшиц не помнил. А я засел за просмотр учебников – не только сольфеджио, но и самоучителей гитарных, например. И что же? Под претенциозным названием «Национальная академия гитары» (aguitar.ru/sheets.php) публикуется список главных рекомендуемых произведений, среди которых – вот, «Франческо да Милано. Канцона»: (aguitar.ru/resources/music/001/_005Cancona/Cancona.gif):

Сравнение двух записей однозначно говорит: вторая – печатная, а первая … по-прежнему непонятно. Впечатление такое, что все-таки изначально это было печатное изображение, но затем на него от руки нанесли дополнения. В любом случае – вторая запись также соответствует тому, что на пластинке называется «Канцоной». Соответствует, с точки зрения нотной записи, чуть-чуть более точно. Но откуда же взялись записи – и первая (в ее печатном варианте), и вторая? И почему они существуют ТОЛЬКО В РУССКИХ ИЗДАНИЯХ? Кстати, «Академия» сопроводила эти ноты пометкой: «Произведение, на которое БГ положил слова «Под небом голубым…»» Да уж положил, положим… Прямо под небом голубым и положил.
Ну хорошо – а если попробовать иначе? Поищем лютневую музыку, а там…
И тут я сказал себе: стоп, хватит. И позвонил доктору Леви Шептовицкому, которого знал еще лет 15 назад – тогда еще не как доктора (но уже как Леви). За это время Шептовицкий успел защитить докторат в Сорбонне на тему «Лютня эпохи Ренессанса». Вот так просто и со вкусом. И считается Шептовицкий сегодня крупнейшим в Израиле (а также известным за пределами Земли Обетованной) специалистом по лютне.
Так вот, позвонил я ему и спросил: существует ли ПОЛНОЕ ИЗДАНИЕ сочинений Франческо Канова да Милано? И получил ответ: да, разумеется, стоит вот у меня на полке. А что? Да ничего, — сказал я, — меня такая мелочь интересует: нет ли там такого произведения великого маэстро, которое называется «Канцона» или как-то в этом духе?
— Канцона, — назидательно ответил мне специалист, — по-итальянски, собственно, означает «песенка». Какую тебе «песенку» надобно?
И тут я совершил опрометчивый поступок. Я взял и сказал: ту, из которой сделали потом шлягер – и пропел. Ой, что было!..
Когда шквал улегся, Леви сказал мне совсем просто:
— Зеэв, ты ведь не совсем глухой. Ты ведь, кажется, когда-то даже брал в руки скрипку. Ну не могла же математика истребить в тебе нормальное человеческое начало! Так послушай внимательно сам: какая тут к чертям (то есть он, конечно, сказал не «к чертям», а несколько иначе, но законы жанра требует некоторой полуэзоповости) лютня, какая Италия, какой Франческо! Это явно из другой оперы!
— Из какой же? — пискнул я.
— Не знаю, — честно признался великий человек. — Но скорее всего – РУССКАЯ ПЕСНЯ.
Затем мы поговорили еще, и еще, и еще. Я честно объяснял, почему такой вопрос возник, а Леви столь же честно и упорно вколачивал мне одну мысль: «Это – даже не подделка. Автор то ли не знал, что подделывать, то ли просто этим не собирался заниматься».
Вот так, просто и однозначно. Чтобы все-таки не верить на слово – давайте раскроем полное собрание произведений Франческо. Издано оно Гарвардским университетом в 1970 г., в издательстве Cambridge (штат, разумеется, Массачусетс), и называется «The Lute Music of Francesco Canova da Milano (1497-1543)», редактор — Arthur J. Ness. Полистаем на досуге хотя бы оглавление. Только Канцону давайте не искать – нет ее там. Неизвестное произведение? Неизвестное ни Гарвардскому университету, ни даже Ватиканской библиотеке, в архиве которой должна была бережно храниться каждая строчка, написанная не каким-то вольным художником, а папским лютнистом? И нашлось оно почему-то на берегах Невы, но втайне от музыковедов?
И уж совсем под занавес – я прослушал, как же звучит настоящая музыка Франческо да Милано. Общего с тем, что еще за день до этого телефонного разговора я воспринимал как его произведения, — гораздо меньше, чем у Чернышевского с Экклезиастом. После чего, собственно, и прочитал некоторые статьи по истории лютневой музыки, подумал и успокоился. То есть не успокоился, а скорее наоборот – ощутил себя персонажем известного анекдота:
— Поздравляю Вас, Ваша жена родила!
— Мальчик?
— Нет.
— А кто же?
Чтобы проверить появившееся чувство, что я знаю ответ на вопрос «Кто же?» (не из анекдота, а про песню), я позвонил за океан – проживающему в США украинскому художнику и композитору Роману Туровскому. Почему именно ему? По двум причинам:
а) тем временем я посмотрел сайты, посвященные лютне, и увидел, что он там часто появляется и с его мнением ох как считаются,
б) потому что в одном из разборов биографии ФКдМ появилась ссылка на то, что «Роман Туровский считает автором музыки Петра ВАВИЛОВА». Автор заметки (почему-то заканчивавшейся призывом «Аллах акбар!») советовал обратить внимание на фамилию. Призыву я не внял, а на фамилию обратил. Действительно, ведь исполнителя псевдо-Франческо, судя по диску, звали Владимир ВАВИЛОВ. Совпадение?
Совпадений не бывает. По крайней мере в этом случае. Туровский рассказал: практически мгновенно после выхода диска «Мелодии» любители лютневой музыки воспылали гневом на очевидную (для них) фальсификацию. Почему любители? Да потому что официально лютневая музыка не преподавалась ни в Москве, ни в Питере. Не было в СССР лютневой школы, не было ни специалистов, ни исполнителей. Было считанное число любителей.
Был, например, такой любитель (а по совместительству член Союза композиторов и профессор Московской консерватории) Шандор Каллош, известный, в частности, тем, что написал музыку ко многим мультфильмам Ф. Хитрука. Он разобрал всю пластинку и сказал: большинство собранной на ней музыки ну НИКАКОГО ОТНОШЕНИЯ К ЛЮТНЕ НЕ ИМЕЕТ. И уж во всяком случае эти «произведения» (я могу себе представить, как он фыркал при этом) никакого отношения ни к ФКдМ, ни к Н. Нигрино (чье имя также присутствует на диске) не имеют. Исключение (по мнению Р. Туровского – единственное исключение) – это «Зеленые рукава», суперзнаменитая (благодаря Голливуду) песня 15-го века.
Гнев прошел, но факт остался: подлог разоблачен, причем перчатка не поднята – Вавилов уклонился от обсуждения темы.
Итак – вывод: Франческо Канова Божественный, он же Франческо да Милано, НЕ ЯВЛЯЕТСЯ АВТОРОМ МУЗЫКИ ЭТОЙ ПЕСНИ. Так что он с чистой совестью покидает наше исследование, которое тем временем устремляется к новым зияющим высотам.
ГЛАВА 5, СОДЕРЖАШАЯ НЕКОТОРЫЕ ТАЛМУДИЧЕСКИЕ ШТУДИИ

А текст? Кто автор стихов? – про этот вопрос мы как-то позабыли…
На самом деле – конечно же, ничего не позабыли. Расследование это продолжалось долго и отнюдь не столь прямолинейно, как это выглядит на бумаге. По дороге я звонил (и посылал и-мэйлы) разным людям, пытаясь узнать ВСЕ об этой песне.
Да и Интернет параллельно подбрасывал версии:
то «Гумилев» (caxapa.ru/mcu/wwwboard.html?id=17566),
«Михаил Волконский, брат декабриста» (nosorog.org/cgi-bin/arhivpk.pl?nz=22_01_2004_12-10-39),
то «какой-то белогвардеец» (aversus.org/vihrevich/disc/vol9/1139.html),
очень популярна версия «русская народная», но и другие народы не в обиде: от шотландцев (http://www.kvadro.ru/classic.htm)
до, конечно, евреев (в http://forum.membrana.ru/forum/literature.html?parent=1031148619&page=58 ссылаются на евр. нар. песню «На небе голубом», мне неведомую) – всего не перечислишь, но рекорд побил следующий вердикт: «ее сочинил … человек с фамилией на Ш, кажется Морозов» (gazeta.ru/2004/05/27/oa_122084.shtml). Замечу, что Морозов попал сюда, возможно, по ассоциации с рифмой Хвостенко — Фоменко (знакомые с неохронологической галиматьей меня поймут), но буква «Ш»??? К кому обращаться за разъяснениями – к Бродскому или Фрейду? Или, скажем: князь Михаил Волконский, действительно, был литератором – но писал, насколько мне известно, исторические романы, а вовсе не стихи – да и годы жизни (1860-1917) не позволяют записать его ни в братья декабристов, ни в белогвардейцы… Ладно, вернемся к ортодоксальным версиям.
Как мы помним – после ухода из большого спорта Рабиндраната Тагора, Йехуды ха-Леви и оказавшегося не только непоэтом, но даже и неевреем Франческо да Милано оставались следующие кандидаты на звание автора слов – выставим их в порядке убывания числа ссылок:
      • Б. Гребенщиков (БГ)
      • А. Хвостенко (АХ)
      • А. Волохонский (АВ)
(отдельно оставалась еще линия Камбурова-Луферов-Мориц, но об этом потом; идея принадлежности первородного авторства кому-либо из них никогда не представлялась мне плодотворной). Параллельно возник еще один вопрос: а какой, собственно, текст является «правильным»? Например, как, собственно, начинается песня: «Под небом голубым» (как пел ее БГ), «Над небом голубым» (как запомнилось мне из МИИТа, и оказалось правильным в том смысле, что именно так пел Хвостенко), или… «Над твердью голубой» (так пела Е. Камбурова)?
Итак – по крайней мере 3 версии. Будем считать, что «правильной» является та, которая и принадлежит автору, но для этого настоящего автора надлежит вычислить. И сделать это, оказывается, в данном случае легко. По принципу, который в Талмуде называется «ми-го», а по-русски «верьте добровольному признанию».
Начнем с БГ, которого подавляющее большинство фанатов автоматически определили в авторы. Да что там фанаты – программа «Что? Где? Когда?» устами ведущего Ворошилова сообщила: «Все знают, что стихи к этой песне написал Борис Гребенщиков» (правда, смысл вопроса в том, что музыку написал… правильно догадались, великий итальянский и т.д., но это мы уже проходили). Однако:
Сам Гребенщиков НИГДЕ не называл себя автором песни, в том числе – слов. Чаще всего (например,fandom.ru/fido/su_books/text/2530.htm) он называл таковым А. Хвостенко; еще чаще – не называл никого; его (точнее, группы «Аквариум») сайт – приводит ответ А. Волохонского о том, как последний написал слова, но к тексту песне сопутствует указание: «слова А.Волохонского и А.Хвостенко». Короче говоря – сам БГ не претендует. Ми-го.
Остались два поэта, два друга, оба — бывшие ленинградцы, оба уехали из СССР в 70-е: Хвостенко и Волохонский. Кто из них?
И тут надо сказать, что «Хвостенко и Волохонский» — сочетание более чем знакомое многим и многим любителям «андерграундной» поэзии моего поколения (примерно как «Каменев-Зиновьев» или «Бойль-Мариотт»). ВМЕСТЕ они написали много песен. Может, даже сто. Во многих статьях их даже упоминают на одном дыхании, не очень-то различая, включая нечто разухабистое типа «молодые поэты-эмигранты» или «господа Хвостенко и Волохонский», и даже называя Волохонского «другой парижский поэт», хотя АВ, в отличие от АХ, в Париже никогда не жил. Так что, оба – авторы текста? Ах, как эффектно!
Нет. Автор текста – один. И это – не Хвостенко. Хотя бы потому, что и последний НИГДЕ не называет себя автором текста, а говорит «о нашей с Волохонским песне» (мы еще вернемся к этому термину, чтобы разъяснить оный). За последние 20 лет вышло 6 (известных мне) сборников стихов Хвостенко – 3 в Париже («Басни АХВ», «Поэма эпиграфов» и «Подозритель. Второй сборник Верпы»), 3 – в Питере («Продолжение», «Колесо времени», «Страна Деталия») и нигде он не включил туда ни «Над небом…», ни тем более «Под…» – в отличие от сборников А. Волохонского. Так что «ми-го» — нет, не Хвостенко. Волохонский?
И тут я, конечно, не выдержал, разыскал телефон в Тюрингене (сначала ошибся и говорил на худом английском с какой-то престарелой фрау). На телефоне – Анри Гиршевич Волохонский:
«Я улышал эту пластинку [Вавилова — З.Г.], где было написано, что это музыка — Франческо ди Милано. Ходил ее и мурлыкал. Был я тогда в подавленном настроении, так как Хвостенко, с которым мы написали много песен, уехал в Москву, а я остался в Питере. С мыслями «Как же я теперь песни буду писать?» я ходил по Питеру и зашел в мастерскую своего друга Акселя [замечательного художника Бориса Аксельрода, благословенна его память, недавно умершего в Израиле — З.Г.], и минут за 15 написал этот текст. Было это в ноябре-декабре 1972 года.»
Примерно такое же изложение этой истории можно найти, например, в journal.spbu.ru/OLD/Spbum01-97/12.html. Или прочитать его интервью Галине Волчек (svoboda.org/programs/OTB/2003/OBT.072103.asp). Или, скажем, в подробном рассказе Л. Тихомирова (о котором речь еще впереди) —
rock-n-roll.ru/details.php?mode=show&id=301. А если это не хватает – совсем недавно «Независимая газета» публикует (а вестевый «Магазин» перепечатывает 25.11.2004) интервью В. Алексеева с самим А. Хвостенко, совершенно отчетливо произносящим: «Текст написал Анри Волохонский»…
Ми-го.

ГЛАВА 6, ГДЕ СЛОВО СТАНОВИТСЯ ДЕЛОМ… ИЛИ НАОБОРОТ?

Разобравшись с автором, решим еще несколько филологических проблем. Прежде всего – каков аутентичный текст песни? Открываем, например, 156-ю страницу сборника «Анри Волохонский. Стихотворения» 1983, HERMITAGE USA и читаем (сохранена пунктуация автора):

Над небом голубым
Есть город золотой
С прозрачными воротами
И яркою стеной
А в городе том сад
Все травы да цветы
Гуляют там животные
Невиданной красы
Одно как рыжий огнегривый лев
Другое – вол, исполненный очей
Третье – золотой орел небесный
Чей там светел взор незабываемый
А в небе голубом
Горит одна звезда
Она твоя о Ангел мой
Она всегда твоя
Кто любит тот любим
Кто светел тот и свят
Пускай ведет звезда твоя
Дорогой в дивный сад
Тебя там встретят огнегривый лев
И синий вол исполненный очей
С ними золотой орел небесный
Чей так светел взор незабываемый

Теперь – о названии. БГ называл песню «Город». За последние 20 лет эта песня прозвучала, по моим подсчетам, примерно на 100 концертах Гребенщикова. Плюс – пластинки, кассеты, диски, передачи на радио, не говоря уж о культовом фильме (недавно узнал, что там играет родной брат моего одноклассника – но это так, к слову). Название устоялось, но… сам Волохонский назвал ее иначе – «Рай». Вообще-то хозяин (текста) – барин. Правда, в данном случае…
В данном случае речь идет о Городе, с заглавной буквы. Точнее – об образе, причем однозначном – «Небесного Иерусалима». На всякий случай я спросил А. Волохонского, и он подтвердил: «Разумеется, я имел в виду Небесный Иерусалим. Реального Иерусалима я тогда (в 1972 г.) еще не видел».
А как же родились другие варианты текста? Скорее всего (судя по воспоминаниям разных людей, да и просто по логике), БГ просто плохо расслышал запись на кассете. Так, например, полагает Хвостенко: «Да, подпортил текст – он ее, наверно, усвоил на слух. Слух у парня так себе – что же делать…» (inostranets.ru/cgi-bin/materials.cgi?id=14543&chapter=20)
Впрочем, тот же Волохонский допускает и менее энтропийную версию: «Видимо, у Гребенщикова была плохая копия [записи исполнения Хвостенко — З.Г.]. Что-то он, возможно, заменил ради музыкального благозвучия, как он его видел. А вот что касается «Над небом голубым» — мне кажется, что они опасались антирелигиозной цензуры, вот и заменили это…»
Кстати, сам Гребенщиков в некоторых интервью не склонен вспоминать о комплименте Хвостенко (см. выше), а развивает высокоидеологическую ноту: «И по этому поводу с Лешей Хвостенко… мы в Париже как-то раз и схватились ночью… Я же… высказывал теологическую концепцию, что царство Божие находится внутри нас и поэтому помещать небесный Иерусалим на небо… — бессмысленно». Сам АХ об этом споре не вспоминает. Да и непонятно, почему Гребенщиков спор о тексте ведет не с автором оного (т.е. с Волохонским)? Впрочем, это уже неинтересно.
Осталась версия, которую исполняла Е. А. Камбурова – «Над ТВЕРДЬЮ голубой…». Меня уверяли: это – редакция Юнны Мориц. И я… поверил, то есть решил проверить. Написал Юнне Петровне – и получил от нее заслуженный нагоняй. Пользуясь случаем – еще раз приношу ей свои самые искренние извинения.
Так может, сама Камбурова и является автором своей редакции текста? Оказалось (из телефонного разговора с Еленой Антоновной), что так оно и есть – см. далее.
И последнее – попутно мы отмежевались еще от одной распространенной легенды. А именно: почему-то многие «припоминают, что слышали эту песню то ли в 1969, то ли в 1970 г. Из приведенных выше воспоминаний Волохонского и некоторых других источников можно считать установленным: слова песни написаны примерно в конце ноября 1972 г.

Анри ВОЛОХОНСКИЙ

ГЛАВА 7, В КОТОРОЙ ЕСТЬ МЕСТО И Л. Д. ЛАНДАУ, И В. СКОТТУ, И МНОГИМ ДРУГИМ

И последний вопрос, связанный с текстом: а КАК родилась песня? Не в смысле истории, а в том смысле, в котором мы когда-то писали сочинения (или память мне изменяет?), в которых надо было осветить: «что питало творческое воображение поэта»?
Когда это вопрос был задан мне – я даже возмутился. То есть как это? Да вы что, граждане, Библии не читали? Открываем книгу Йехезкиэля (Иезекииля). В самом ее начале читаем пророчество – или видение, в котором есть и ряд «лев-вол-орел», и загадочное для русского уха выражение «исполненный очей» («мале эйнаим» на иврите), и многое другое.
Но тут посыпались другие версии. И были у этого объективные причины. Прежде всего, название песни: Рай (да и Город) в видении, посланном Йехезкиэлю, не присутствует. Вообще, еврейская традиция не видела в пророчестве Йехезкиэля ничего райского. Увидел такое, впрочем, христианский мистик Сведенборг,- может, Волохонский его начитался?
«Да нет же,- ответил участник все того же форума на «Исрабарде» Savmac, он же… впрочем, соблюдем тайну ников,- при чем тут Сведенборг? Скорее всего, Волохонский видел картину Анри («Таможенника») Руссо, которая так и называется – «Рай». Посмотрите, действительно похоже». Ай-яй-яй, думаю, и не вспомнил даже…
В случае с Анри Руссо явно сработал принцип ложной памяти. Я бы просто уверен, что видел такую картину, и многие мои знакомые «вспоминали»: «Точно! Есть такая!», однако в альбомах таковой картины не оказалось. Поговорив с Savmac’ом почти в реале (т.е. по телефону), пожаловался на жизнь, после чего последовала новая версия: картина Павла Филонова. Замечу, что и у Филонова ни «Рая», ни чего-то похожего не нашлось…
И уж совсем поразительную догадку высказывает поэт Герман Лукомников: а Пушкин? Что Пушкин? — спросите Вы. А я отвечу: да кто ж не знает, что 26 июля 1826 г. великий русский поэт А. С. Пушкин написал стихотворение, начинающееся так: «Под небом голубым страны своей родной…» (см. стр. 297 во 2-м томе Полного собрания сочинений в 10 т. — Л.. «Наука», Ленингр. отделение, 1977—1979)? Практически то же начало, тот же размер и даже рифмуется! И тут я вспомнил школьный диалог из биографии Л. Д. Ландау, написанной М. Бессараб (цитирую по памяти):
— Ландау! О чем думал Лермонтов, когда писал «Герой нашего времени»?
— На этот вопрос может ответить только один человек.
— Уж не Вы ли?
— Ни в коем случае.
— Я так и думал. Кто же, в таком случае?
— Михаил Юрьевич Лермонтов.
— Садитесь, единица!
Но мы не в школе, и я решил поинтересоваться у живого классика, т. е. опять позвонил Волохонскому. Ответ: «Сведенборга читал, но не помню, картину Руссо не видел, а о стихотворении Пушкина не слышал. Слова моей песни, разумеется, навеяны чтением Йехезкиэля».
Все? Почти. Потому что есть еще один источник, на который ссылается Л. Тихомиров: «Откровение Иоанна Богослова». Там тоже есть сходные образы, и стандартная христианская трактовка «Откровения» — Рай. Поэтому В. Глозман (уже упомянутый в начале расследования, и чьему ружью еще надлежит выстрелить в нашей драме) уверяет меня: «Песня – чисто христианская», а Е. Витковский, узнав о переводах песни на иврит, изумляется: как? Столь явно христианский текст – на иврите? (Надо полагать, основоположники христианства еще больше бы изумились самому вопросу…)
Я – ему (письменно): «Но ведь сам автор…» На что Витковский назидает: «автор — далеко не последняя инстанция в разговоре о том, «что имелось в виду».» Ответ конкретной «не последней инстанции» на мой очередной запрос был таков: «Иоанн Богослов — да, разумеется, но ведь его текст основан на Йехезкиэле, это общеизвестно. Представление об этом тексте [Йехезкиэля — З.Г.] как об изображении Рая — действительно появилось уже в раннем христианстве, когда оно еще было иудео-христианством».
Ну что я могу тут сказать? Про Ландау уже рассказано. Так что напомню экранизацию «Айвенго» В. Скотта, где есть следующая сцена: когда Ревекку собираются казнить – она, естественно, читает псалмы царя Давида. Один из монахов, услышав это, возмущается: «Какая наглость! Она читает НАШИ псалмы!», на что другой замечает: «Вообще говоря, до того как псалмы стали нашими – они уже были ЕЕ…»

ОТСТУПЛЕНИЕ: КСТАТИ О ПУШКИНЕ

В истории этой ничему удивляться не приходится. И все-таки поразительно, что параллельно нашей Песне существует еще и романс, который называется … «ПОД НЕБОМ ГОЛУБЫМ». Музыку его написал ( где-то в середине тридцатых гг. 20-го века ) Ю.А.Шапорин, а слова – то самое стихотворение А.С.Пушкина и есть. Ноты Шапорина изданы, да и в Интернете можно посмотреть материалы – например, http://feb-web.ru/feb/pushkin/serial/is5/is5-234-.htm.
Но это уже – совсем другая песня.

ГЛАВА 8, ПОВЕСТВУЮЩАЯ, КАК ИСПОЛНЯЛАСЬ ПЕСНЯ

Итак, где-то в феврале 1973 г. Алексей Хвостенко в Москве получил из Ленинграда от Анри Волохонского стихотворение «Рай» — причем именно как слова, написанные на музыку псевдо-Франческо. Возможно (как полагает Л. Тихомиров в rock-n-roll.ru/details.php?mode=show&id=301), Хвостенко для этого и дал послушать Волохонскому пластинку, или, скажем (это уже я так фантазировал), они просто оба ее слушали и приговаривали: «Вот бы что-нибудь такое спеть»? Нет, пластинку подарила Волохонскому «одна знакомая» (кавычки означают только цитату). Так или иначе, но уже в том же 1973 г. АХ исполняет песню «Рай», несколько переделав мелодию, услышанную им на пластинке:col.mp3sight.ru/csn.html?al=15574.
Кассеты с записью Песни стали гулять по Москве, «Над небом голубым» зажила своей жизнью – ее стали петь многие любители. В 1974 (или 75) г. один из таких любителей (возможно, Г. Казовский) спел Песню Елене Камбуровой. Тогда Е. А. Камбурова достала пластинку Вавилова и стала петь ее по-своему – т. е. мелодия полностью практически соответствовала оригиналу, а текст был слегка изменен самой Е. Камбуровой – так появилось «Над твердью голубой…» Ее исполнение можно прослушать, например, здесь:bard.ru/html/Kamburova_E..htm.
Спустя несколько лет, в 1978 г., уже от Камбуровой услышал Песню известный бард В. А. Луферов. Он стал исполнять ее (по существу, камбуровский вариант, изменено только одно слово) в бардовской манере:bard.ru/cgi-bin/frameset.cgi?kind=tracks (выбрать: «Л», «Луферов», «Над твердью голубой»).
Однако мы пропустили важную страницу в истории песни. А именно: опять город Ленинград, студия «Радуга» под руководством режиссера Эрика Горошевского (тогда еще студента у Г. Товстоногова), где в 1975-76 гг. был поставлен «Сид» Корнеля. И ответственный за музыкальное сопровождение Леонид Тихомиров взял текст «Над небом голубым» и соединил его с той же мелодии с пластинки – впрочем, на этот раз, в отличие от АХ, не «подправляя» ее. Так песня и вошла в спектакль, а Тихомиров впоследствии неоднократно ее исполнял, при этом каждый раз честно называя авторов – Волохонского и … разумеется, Франческо да Милано. К сожалению, я не смог достать записи этого исполнения – ни на каком носителе. Не знаю, сохранилась ли она вообще.
Отметим, что студия «Радуга» была очень популярна среди питерских студентов и вообще среди молодежи. По воспоминаниям того же Тихомирова, «там оказался в полном составе «Аквариум»». И не просто оказался: тот же Горошевский осенью 1974 г. поставил музыкальный спектакль «Притчи графа Диффузора» — в сущности, капустник «Аквариума», в котором участвовали и БГ, и другие аквариумисты. Этот спектакль сыграл важную роль в жизни как БГ и «Аквариума» (так как был их первой профессиональной постановкой), так и для самого Горошевского: репетировали еще в университете, а после постановки «хулиганов» попросили убраться из стен ЛГУ, вследствие чего и возникла независимая театр-студия «Радуга», поначалу даже использовавшая аппаратуру «Аквариума». Да и вне студии хватало контактов – группа Тихомирова ZA «часто пересекалась» с «Аквариумом», они делали совместные записи. Не была исключением (из общего сотрудничества «Аквариума» и «Радуги») и постановка «Сида» — в частности, флейтист «Аквариума» Д. Романов («Дюша») играл в этом спектакле главную роль.
Побочный эффект этого спектакля проявился в неожиданном результате, когда в 1987 г. режиссер Сергей Соловьев решил для фильма «Асса», в соответствии с новым духом времени, пригласить культового андерграунд-рокера Бориса Гребенщикова и его группу «Аквариум». Их первая же встреча чуть было не сорвалась из-за пустяковой детали: договорились где встретиться, а затем Соловьев спросил: «А как я Вас узнаю?». Возникла пауза, за которой последовало ларго: «Да, такого лоха я еще не встречал!» В качестве одной из песен была предложена «Под небом голубым». Почему «под» — мы уже обсуждали. А вот мелодию Гребенщиков вел ближе к хвостенковскому варианту (хотя и существенно упростил его – zvuki.ru/T/P/276/56/5), а не к «тихомировскому» (более соответствующему пластинке). Так что, скорее всего, к этому времени БГ уже немного подзабыл Песню — так, как слушал ее на спектакле Э. Горошевского,- и «освежил ее в памяти» с помощью кассеты Хвостенко.
И тут возникает неувязка. В титрах фильма авторы песни не были указаны. Никакие! Когда спрашивали муз. редактора фильма М. Бланк – она кивала на режиссера. Режиссер коротко отвечал: да знаю, чья это песня! Но Вы же понимаете…
Честно говоря, до сих пор не понимаю. Да, в советское время с проката чуть было не сняли фильм «Берегись автомобиля», поскольку в нем была обнаружена фраза «Корчной выиграл». Да, вымарывали имя Феликса Канделя из титров «Ну погоди!», а про Калика или Галича и говорить нечего. Ну, был Волохонский «предателем Родины» (в Израиль уехал). Но время вроде было уже несколько иное – 1987-й год, заря перестройки! В куда менее либеральном 1976-м Э. Горошевский не побоялся указать автора (А. Волохонского) на афише! И потом – а за что пострадал (пусть даже не имевший отношения к теме) Франческо да Милано, в авторстве которого создатели фильма были уверены – Франческо, не эмигрант и даже не еврей? А если даже предположить невероятное, а именно — что С. Соловьев или М. Бланк полагали автором музыки В. Вавилова – все равно вопрос: а почему и его не вписать в титры?
Как бы там ни было – «Асса» вышел на большие экраны и стал культовым фильмом. Его смотрели… чуть было не сказал «все», потом вспомнил, что сам-то его не видел, так что сформулируем скромнее: миллионы. Песня стала чуть ли не гимном поколения – его мечты найти красоту, где есть гармония трав, цветов, животных, птиц, людей и звезд. И автором этого гимна повсеместно стал считаться БГ, пятый исполнитель песни.
Воистину – «из всех искусств для нас важнейшим является кино!»

ГЛАВА 9, С ТОЧКИ ЗРЕНИЯ КОТОРОЙ ИВРИТ – НЕ РОСКОШЬ, А СРЕДСТВО ПЕРЕВОДА

Итак, с текстом песни, его языком, вариантами и происхождением – все ясно. Интересно все-таки, что ассоциации с Иерусалимом (по крайней мере – «Небесным Иерусалимом») столь сильны, что широкое хождение получили легенды о иерусалимском же и более того – об ивритском происхождении песни: в одном месте можно, скажем, прочитать, что «это старая (начло 20-го века) песня о Иерусалиме… перевод с иврита»(v1.anekdot.ru/an/an0005/q000523.html), в другом – что «автор песни жил в средние века в Иерусалиме… а песню эту просто перевели»(vorota.de/Thread.AxCMS?ThreadID=491207&ThemaID=1047&Geo=2000&Period=-366&FPage=0).
И словно для того, чтобы дать оправдание «задним числом» этим легендам, Песня наша является рекордсменом по числу переводов на иврит: ее переводили (для музыкального исполнения) трижды, и еще три перевода «гуляли по литературному Израилю». Насколько мне известно, есть только четыре другие песни, которые переводились трижды: «Песня о ночной Москве», «Песня о Моцарте» и «Грузинская застольная» Б. Ш. Окуджавы и «Не гляди назад» Е. И. Клячкина.
Первый перевод был сделан примерно в 1991 г. поэтом и общественным деятелем Володей Глозманом по просьбе певицы Ларисы Герштейн (по-видимому, именно этот факт и вписал имя В. Глозмана в легенду о якобы найденной рукописи). Переведен был «правильный» источник — текст А. Волохонского. Этот перевод Л. Герштейн часто исполняет (уже во время завершения эссе я получил текст глозмановского перевода, и он появился на том же сайтеisrabard.net/israbard/personview.php?person_id=1051283342&page_id=songs).
Затем в 2002 г. песню перевел в прошлом бакинский, а ныне израильский бард А. Будагов (из-за попыток найти этот перевод в «Исрабарде» и началась дискуссия). На вопрос, что именно он переводил, Ануар ответил: «частично – Гребня, частично – то, как Луферов и Кабурова пели, частично – свое…» Последнее замечание существенно: в структуре песни произведены довольно значительные изменения. Будагов же и спел этот перевод на «Дуговке», а послушать его исполнение можно здесь: ragimov.com/vrag/BUD/.Наконец-то появился перевод и на Исрабарде. Версия об авторстве Йехуда ха-Леви родилась, по-видимому (хотя я в этом не уверен) в бакинском КСП.
И наконец, летом 2004 г. автор этой статьи, не знакомый с переводами В. Глозмана и А. Будагова, решил перевести – сначала текст, исполнявшийся Гребенщиковым, а после установления аутентичности – стихи Волохонского. При этом появилась проблема: как, собственно, переводить? На каком уровне иврита находятся адекватные образы? Поскольку ассоциации с Йехезкиэлем – надо бы из него и цитаты брать, или хотя бы полуцитаты. А лев? Это в русском со львами просто, а в иврите – как минимум четыре слова для обозначения этого царя зверей, и у каждого – свой оттенок. И какое слово использовал бы Йехезкиэль для города? Включать ли арамеизмы? Или может, перевести на совсем современный иврит, и дело с концом?
Муки творчества, ничего не поделаешь. А увенчались эти муки вот чем:

ראיתי במרום :
זהב עוטף קרתא —
צלול כמו קרח שערה,
זוהרת חומתה.
ובקרתא יש גן
עם דשא ופרחים
הולכים שם יצורים יפים
וכל אחד — מדהים:
ראשון — הכפיר זהוב הרעמה,
מראה שני — כמו שור מלא עיניו,
ושלישי הוא נשר השמיים,
לו מבט זורח, הבלתי נשכח…

למעלה במרום
קורן כוכב אחד —
אתך הוא, המלאך שלי,
אתך לעולמי עד.
בכיר אשר בוהר!
אהוב אשר אהב!
לגן הזה יוביל אותך
לבטח הכוכב:
תפגוש בכפיר זהוב הרעמה,
וגם בשור כחול מלא עיניו,
ואיתם — גם נשר השמיים
לו מבט זורח, הבלתי נשכח…

Текст этот можно найти на том же «Исрабарде», по длинному адресу http://israbard.net/israbard/personview.php?person_id=1051283263&page_id=songs&song_id=1171. А если нажать там на слово «Скачать» — можно и прослушать Песню так, как она была исполнена на израильском радио (в процессе редактирования эссе автор также записал Песню на иврите в студии для диска, который собирается выпустить Марк Павис)…

ГЛАВА 10, ЦЕЛИКОМ ПОСВЯЩЕННАЯ ИСЧИСЛЕНИЮ БЕСКОНЕЧНО ИСЧЕЗАЮЩЕГО ВАВИЛОВА

А теперь вернемся к вопросу, который мы уже полагали решенным: авторство музыки. Было однозначно установлено, что таковое не принадлежит ФКдМ. Наиболее естественной выглядит версия Р. Туровского: сам В. Вавилов и сочинил. Заметим, однако, что формально не исключена и другая возможность: ноты (с пометкой «Франческо да Милано») попали как-то к Вавилову, и он искренне поверил в старинное происхождение музыки.
Такая версия показалась мне маловероятной. В самом деле, Вавилов (в отличие от автора этих строк) – не дилетант, млеюший от вида «старинных» нот. Он был известным «аутентистом» — то есть энтузиастом возрождения старинной музыки в ее оригинальной упаковке. Это что же, он не мог распознать современные гитарные ходы, не увидел, что музыка ну ничем не похожа на Франческо Канова, ну никак не могла быть написана в те времена? Ведь он же…
Но для завершения последнего необходимо было хоть что-то узнать о Владимире Вавилове. Для начала я обратился во всемогущий Интернет, но тут меня ждало крупное разочарование. Не то чтобы фамилия «Вавилов» была чрезмерно редкой, но вот как-нибудь связать ее с Песней – было затруднительно. А если я убирал «Вавилов» из поиска – на свет выплывало уже нечто совсем удивительное: например, «музыка — слегка изменённая главная тема концерта для гобоя Доменико Чимарозы» (forum.globalrus.ru/read.php?f=29&t=24605&i=24605). Ну при чем тут гобой, при чем тут Чимароза, у которого и под микроскопом ничего барочного не сыщешь? Хотя – приятно, конечно, что пишут грамотные люди, а не какая-нибудь там шантрапа.
Начались месяцы поисков. Труднее всего оказалось с музыковедами: на вопрос о музыке они тут же начинали мне объяснять то, что уже было известно: это – не Франческо, Вавилов всех мистифицировал. Вольно или невольно? – спрашивал я. Нет ответа. А он ли сам написал? — робкий ответ: «ну наверно да». Затем следовало «есть такой-то, он был знаком с Вавиловым, и тот признался ему, что музыка – его». Пишем такому-то – «нет, я лично нет, но у меня есть знакомый, он сейчас где-то не знаю где, но вот вернется – он точно знал». Возвращается знакомый – «да, именно так, сам Вавилов, — я правда, его не знал, но где-то у меня есть телефон его старинного друга». Старинный друг, естественно, в глаза не видел Вавилова, но зато рад объяснить, почему «не Франческо».
От всей этой фантасмагории у меня в какой-то момент появилась мысль: а был ли вообще такой человек, Вавилов? Вот ведь сайт «Классика» открыл форум на тему, по названию буквально совпадающую со знаменитой пластинкой: «Лютневая музыка XVI-XVII вв.» (forums.lifanovsky.com/showthread.php?t=902). На этом форуме я узнал, например, что «V mire okolo 55-i russkojazychnyh ljutnistov», но только двое из них выпустили свои диски – Олег Тимофеев и Александр Суетин (впрочем, это не совсем так: мне написали, что есть еще диск Анны и Антона Бирулей). А о Вавилове – молчок!
И если Хвостенко в уже упоминавшемся интервью «Независимой газете», не моргнув глазом, утверждал: «Неизвестно, существовал ли в XVI веке автор, Франческо ди Милано – никаких нот этого композитора не найдено» (я не зануда, но если писать «ди Милано» — ноты, найти, действительно, трудновато),- так, может, весь Вавилов – одна мистификация? В этой истории я уже ничему не удивлюсь!
Но – долой мистику! После блужданий по интернету появляется имя: Я. Ковалевская. Еще несколько усилий – и есть телефон в Санкт-Петербурге. Звоню. На другом конце провода – один из самых известных преподавателей гитары в СССР Ядвига Ричардовна Ковалевская, много лет руководившая классом гитары в музыкальном училище им. М. Мусоргского (Ленинград), сегодня — пенсионер:
— Володя Вавилов? Ну конечно я его прекрасно помню. И мелодии, которые он сочинял… И эту, которую он выдал за Франческо да Милано…
И стала рассказывать, соединяя найденные мною обрывки. А затем я получил письмо от Олега Тимофеева — лютниста, по совместительству защитившему докторат по истории русской гитары. Но самый большой свет, рассеявший тьму, пришел из города-героя Тюмени!
Что Вы сказали? Тюмень – не город-герой? Ну это уже по недосмотру Президиума Верховного Совета СССР. Я не знаю, о чем они думали, но я лично считаю, что именно Тюмень заслуживает самого высокого звания. Потому что именно здесь в 1992 г. был издан справочник «Классическая гитара в России и СССР», и в ней – пожалуйста, статья «ВАВИЛОВ, Владимир Федорович». Увидев статью – я вздохнул с облегчением. Вавилов нашелся! Только… он ли это?
Тут, благодаря О. Тимофееву, появляется еще одно имя: питерский специалист по всему, связанному с гитарой: Абрам Семенович Бруштейн. Он был первым в списке тех людей, который написал мне: «Да, я знал это лично от Вавилова: он сам и написал музыку на этой пластинке». Бруштейн подтвердил и уточнил информацию из тюменского гроссбуха. Но самое главное: он написал, что дочь Вавилова до сих пор живет в его квартире на Витебском пр., 23.
Вавиловых в Санкт-Петербурге много. Но на «Витебском пр.» живет только одна подходящая кандидатура: Тамара Владимировна Вавилова. Номер найден, я звоню… и задаю один вопрос: «ПОЧЕМУ?».
Вообще-то к этому моменту я знал уже достаточно много о В. Ф. Вавилове. А именно:
Училище при Лениградской консерватории, помимо прочих своих достоинств, было давно известно своим классом гитары, который вел выдающийся гитарный педагог П. Исаков (вышеупомянутая Я. Р. Ковалевская тоже, кстати, училась у него). Впрочем, преподавал он не только в училище, но и во Дворце пионеров, и в школе при училище. И там среди его учеников был такой – гистарист-семиструнник Володя Вавилов, 1925 г. рождения. Он так и не поступил в музыкальное училище – хотя был исключительно способен. О способностях его говорит, например, серебряная медаль на Международном фестивале молодежи и студентов 1957 г., полученная им в дуэте с Л. Андроновым (шестиструнником) – впоследствии знаменитом гитаристом, учеником и продолжателем дела П. Исакова, профессора и т.д. Дуэт двух виртуозов был знаменит – и при этом именно Вавилов был его лидером, и играли они вавиловские же композиции! Тот же Тимофеев рассказал мне, что недавно их исполнял руководимый им ансамбль «Айова гитарс» (а где еще, по Вашему, играть ансамблю Олега Тимофеева, как не в Айове, откуда он меня и порадовал первым письмом, начинавшегося словами «Шабат шалом!») – полный восторг, замечательно!
Так что естественно, что Вавилову было мало гитарной славы. Он хотел быть композитором. Более того – он и считал себя таковым, и поскольку чувствовал недостаток формального образования – пошел учиться на курсы при Ленинградском Союзе композиторов к И. Г. Адмони (до этого преподававшему композицию и в школе при ленинградском музыкальном училище). Последний, кстати, тоже исключительная личность: начнем с того, что его практически вытащил из лагеря ни кто иной, как Д. Д. Шостакович, брат его В. Г. Адмони – знаменитый переводчик Ибсена (и не только), а отец Г. Я. Адмони еще успел консультировать адвокатов на процессе И. Бродского! Но вернемся к теме…
ВВ писал песни, гитарные композиции, но ему все время хотелось большего – совершить то, чего не делали другие, и играть иначе: взять в руки лютню, возродить ее. Очень много лет спустя стал его бы назвали «аутентистом». Выполнил ли он свою сверхзадачу?
По правде говоря, не совсем. Даже «лютня», на которой он играл, была собственно не лютней, а «лютневой гитарой», довольно поздним музыкальным инструментом (настоящую лютню он взял в руки только в 1971 г.) Публика, разумеется, на концертах этого знать не могла (как, впрочем, не понимали впоследствии этого и слушатели пластинки «Лютневая музыка 16-17 вв.»), но он-то наверняка знал! Еще сложнее обстояло дело с музыкой, которую Вавилов сочинял. Это была… ну как бы сказать… не та музыка, которую было принято ожидать от советского композитора: вроде бы классика, но почему же не для классических инструментов? И он не мог издать ничегошеньки из того, что писал (за исключением двух-трех песен) – а уж тем более нельзя было и помыслить о чем-то большем, чем издание нот. И постепенно созрела идея…
Сначала ВВ выпустил самоучитель игры на гитаре. В самоучитель он включил несколько произведений, подписанных именами известных русских гитаристов. Надо ли объяснять, что никто из этих великих гитаристов не слышал ни строчки, ему приписанной? Эксперимент прошел удачно, Вавилов осмелел, и стал уже на концертах исполнять свои же произведения, предваряя их звучными ренессансными именами. Публика уважительно кивала, демонстрируя свою глубокую осведомленность в барочной музыкальной культуре. И наконец… в 1968 г. на фирме «Мелодия» решили сделать пластинку (впоследствии многократно переизданную) из классики лютни эпохи Возрождения, которую вот как раз В. Вавилов и исполняет.
И он исполнил! Имя его совершенно заслуженно стоит на обложке диска, и вовсе не из-за того, что он является одним из исполнителей. «Вавилов» – единственное имя, которое и могло стоять на обложке пластинке, ПОЧТИ ЦЕЛИКОМ составленной из его собственных сочинений или его же обработок. Пластинка мгновенно разошлась по всей стране, ее покупали рядовые любители музыки и профессиональные музыканты. Ренессанс вдруг оказался столь близким, многие мелодии столь хорошо запоминались… А одна – запомнилась всем.
Точнее – две. Потому что был еще и «Ричеркар», приписанный другому композитору той эпохи – Николо Нигрино. (Возможно, именно с ним был спутан ФКдМ в уже упоминавшемся интервью в «Магазине», т. к. от Нигрино осталась только «Passo Mezzo In Discant», да и биография его неизвестна. Но АХ – не первый: кое-где в Интернете автором музыки нашей Песни называется то сам Нигрино — http://www.jalkapallo.org/muzkniga/archive24.html, а то и «какой-то Нички»). Музыку эту использовало советское Центральное телевидение в серии передач, посвященной Эрмитажу: ну что еще может так идеально подойти в качестве музыкального сопровождения к полотнам пост-средневековых мастеров, как пост-средневековая же мелодия? С тех пор и повелось на ЦТ озвучивать все как бы пост-средневековое этим псевдо-Ричеркаром псевдо-Нигрино. А для тех, кто не смотрит ТВ – на широкий экран вышел фильм Алова-Наумова «Легенда о Тиле», где, рядом с Вивальди – опять Нигрино. Не вспомнили еще? На странице http://shadow-color.narod.ru/music1.html найдите «Нигрино-Ричеркар» — и слушайте…
Итак, все это я уже знал, когда позвонил Тамаре Владимировне. И поэтому, удостоверившись в том, что на проводе — дочь ВВ, я задал ровно один вопрос: «Почему?». Вопрос был прекрасно понят:
— Отец был уверен, что сочинения безвестного самоучки с банальной фамилией «Вавилов» никогда не издадут. Но он очень хотел, чтобы его музыка стала известна. Это было ему гораздо важнее, чем известность его фамилии…
Итак: можно считать установленным, что автор музыки – В. Ф. Вавилов. Несмотря на то, что нет у меня автографа — нотного листа, на котором – ноты псевдо-Канцоны и сверху — «Владимир Вавилов» (признаюсь, пытался найти такой для красивого завершения расследования),- то, в чем были уверены специалисты и знавшие ВВ музыканты, представляется мне очевидным. И тогда мне хочется задать другой вопрос: а как чувствовал себя композитор, когда пластинка с его музыкой появилась чуть ли не в каждой интеллигентной семье в СССР? Можно ли считать, что благодаря фирме «Мелодия», телевидению и фильму «Асса» его мечта сбылась?
Спросить – некого. Владимир Вавилов умер… 11 марта 1973 г., от рака поджелудочной железы. Он не дожил двух месяцев до своего 48-летия.
Он умер в Ленинграде примерно в те дни, когда в Москве впервые раздалось под звуки гитары: «Над небом голубым…»

Владимир ВАВИЛОВ

ГЛАВА 11, ПРОХОДЯЩАЯ БУКВАЛЬНО НАД НЕБОМ ГОЛУБЫМ

У нас остался ровно один вопрос. Тот самый, по которому спорили как-то в городе Париже БГ и АХ. Итак: «под небом голубым» или «над небом»?
То есть ответ мы уже знаем: конечно, «над», как в тексте АВ. Спор был о другом: как правильнее? Поскольку, как мы уже знаем, текст не принадлежал ни одному из участников спора, дискуссия явно носила характер теоретический. Автора (Волохонского) на дискуссию не пригласили и о результатах не уведомили. А зря, оказывается! Потому что была в истории написания песни еще одна сторона, которая много чего проясняет в тексте. И связана эта сторона с человеком, имя которого мы уже упоминали – Борис Аксельрод, он же Аксель, ленинградский художник, в мастерской которого АВ было написано стихотворение.
Впрочем, назвать его художником было бы преуменьшением. Его студия в мансарде на углу Фонтанки и Майорова была неким фантастическим центром, притягивавшим самых разнообразных людей. Причем разных – художников, музыкантов, историков, литераторов…
Общение с Акселем повлияло на многих из них роковым образом. Например, под его влиянием музыкант «Аквариума» Андрей Решетин, он же «Рюша», увлекся барочной музыкой (хотя раздумывал, не посвятить ли жизнь теоретической физике) и стал руководителем первого барочного оркестра в России. Оркестр этот связан с другим большим проектом – Академией «EARLYMUSIC», на сайте которой http://www.earlymusic.ru читаем: «Академия носит имя художника и философа Бориса Аксельрода (AXL), мастерская которого в 1970-е и начале 1980-х являлась духовным центром андеграундной культуры Ленинграда. Именно AXL дал импульс для развития многих ныне известных музыкантов-аутентистов, в том числе и Андрея Решетина, который считает художника своим духовным отцом. Следуя его заветам, Решетин создал AXL-Академию…» Другая знаменитость, «официальный отец» питерского аутентизма Феликс Равдоникас, пишет об Акселе как о человеке, пробудившем в нем (Равдоникасе) веру в том, что он сможет преодолеть непреодолимые препятствия на пути возрождения старинной музыки в России.
Вы, читатель, ожидаете, что сейчас откроется: и Вавилов бывал в мансарде у Акселя? Ах, как бы это было красиво! К сожалению – никаких свидетельств этому знакомству я не нашел. Но зато… когда проживающие в Глазго, что в далекой Шотландии, Эдуард Берсудский и Татьяна Жаковская создали сайт freespace.virgin.net/sharmanka.kinetic/axel.htm, посвященный памяти Б. Аксельрода (он приехал в Израиль в 1982 г. и умер год назад в Тверии), и обратилась за возможными воспоминаниями – пришло письмо от еще одного человека, близко знавшей Акселя в Израиле – от Лики Белоцерковской из Цфата. Лика обратила внимание на фразу из описания Волохонского «Пришел я в мастерскую и за 15 минут написал стихотворение», так как, по ее словам, «за 15 минут не пишут стихи, а записывают». Сопоставив это несоответствие с о рассказами Акселя о его питерской мансарде, Лика испытала, по ее словам, «литературоведческое откровение» , т. к. вот что вспомнила (а АВ подтвердил, так что ниже приведена компиляция из их воспоминаний):
«В 1972 году Аксель получил заказ: сделать мозаическое панно «Небо» для Таврического сада. Мозаика делалась не из настоящей, приготовленной заранее смальты, а из керамических квадратных плиток разного цвета. Для использования в мозаике каждую плитку нужно было разрубить примерно на четыре части, иногда на шесть и до еще меньшего размера. Из этих мелких кусков уже, можно сказать, смальты, выкладывались те небесные фигуры зверей, которые ранее нарисовал Аксель. Потом все кусочки приклеивались к плотной бумаге, к отдельным кускам локтя в два длиной, в один шириной, и где-то у Акселя сохранялись, с тем чтобы позднее быть перенесенными уже на цемент, площадь которого была метров тридцать.»
Здесь память подвела Волохонского – площадь панно должна была быть не 30, а… 254 квадратных метра! Этот гигантский проект (описание которого можно найти на сайте axlent.narod.ru/Israel_Encaustic_Art.html, причем называется он там «The Garden of Eden from Earth»!!!) длился несколько лет, но так и не был закончен. Тем временем тонны (без преувеличения) действительно голубого неба (точнее, сине-голубой смальты, которая должна была изображать небо) лежали в подвале у Акселя. А НАД ним, НАД этим голубым небом и царила та фантастическая атмосфера, где рисовались эскизы удивительных зверей, где по коридору бродила ученая ворона Радилярдус, на потолке сияли звезды, а в ванной работал аппарат омоложения. Здесь «…библейские образы присутствовали непременно. Это вообще было характерно для Акселя. Чего стоит ответ на вопрос по телефону о том, чем он занимается? — «Отделяю воду, которая над унитазом, от воды, которая под унитазом». Это значит, что бачок протёк.» (пишет Л. Белоцерковская). Сюда и приходили отдохнуть от разбивания смальты два помощника Аксельрода – скрипач Филипп Хиршхорн и… поэт Анри Волохонский…
А на замечание о том, что за 15 минут стихотворение можно не написать, а только «записать под диктовку», АВ в письме к Т. Жаковской ответил: «…правда и то, что под диктовку, как бы свыше. Нужно, правда, учитывать, для правдивого сопоставления, что я месяц или вроде того, бубнил эту мелодию себе под нос с подаренной пластинки «Лютневая музыка», готовясь к наиправдивейшему диктанту. Так что правда выходит помногообразнее, чем себе это обычно воображают…»

ВМЕСТО ЭПИЛОГА

Итак:
Автор слов – Анри (Андрей) Волохонский. Слова написаны в ноябре 1972 г. на услышанную с пластинки музыку. Навеяны атмосферой в мастерской Б. Аксельрода.
Автор музыки – Владимир Вавилов. Музыка написана примерно в 1967-68 гг. Более точно – определить не удалось.
Первый исполнитель – Алексей Хвостенко. Все остальные варианты исполнения генетически восходят к его, хвостенковскому, и генерируются по нехитрой формуле «услышал – и сыграл по-своему». Так что АХ имел право на фразу, которую проговаривал как-то скороговоркой: «наша с Андрюшей Волохонским песня».
Вот мы и подошли к концу нашей истории – светлой и грустной. Светлой – потому что вот уже более 30 лет живет в мире Песня, у которой меняли и название, и слова, и музыку, и исполнителей (и даже язык) – а она живет, и поет ее вот уже совсем-совсем новое поколение… Счастливая судьба у песни!
А грустная – по причинам противоположным. Как-то остались в тени ее два подлинных автора. То есть поискав по Интернету – можно найти робкие упоминания о каждом из них, но чтобы вот так просто: «авторы песни – А. Волохонский и В. Вавилов» — нет такого. А в сознании народном – и вовсе тишина по их поводу… При всей разнице между судьбами композитора и поэта — есть даже какая-то удивительная параллель между их желанием «главное – чтоб услышали…»
Я не знаю, сможет ли наш маленький экскурс в историю Песни что-то изменить. На своих концертах, исполняя Песню на иврите, я называю ее подлинных авторов: Анри Волохонского и Владимира Вавилова. И позволяю себе только одно изменение: я все-таки называю ее «Карта», что на армейском языке (который был разговорным для пророка Йехезкиэля) означает «Город». И в качестве заставки для Песни, которая вместе со словами проецируется на экран во время исполнения, — взял фотографию Старого Города в Иерусалиме: ночью, в подсветке снизу:

Над небом голубым есть город золотой…

ПРИЛОЖЕНИЕ: СЛОВАРЬ «Кто есть Кто в истории Песни»

АКСЕЛЬРОД, Борис – художник, в мастерской которого в Ленинграде было написано стихотворение А. Волохонского «Над небом голубым…».
БУДАГОВ, Ануар – автор и исполнитель второго перевода Песни на иврит.
ВАВИЛОВ, Владимир (сокр. ВВ) – автор музыки Песни и первый ее исполнитель (без слов).
ВАВИЛОВ, ПЕТР – интернетовский фантом-дубль В. Вавилова. В реальной жизни не бывает.
ВАВИЛОВА, Тамара – дочь Владимира Вавилова.
ВОЛОХОНСКИЙ, Анри (сокр. АВ) – автор слов Песни.
ГЕЙЗЕЛЬ, Зеэв – автор и исполнитель третьего перевода Песни на иврит.
ГЕРШТЕЙН, Лариса – исполнитель первого перевода Песни на иврит, а также автор и исполнитель многих легенд о Песне.
ГЛОЗМАН, Владимир – автор первого перевода Песни на иврит
ГОРОШЕВСКИЙ, Эрик – режиссер, поставивший в 1975-76 гг. в студии «Радуга» пьесу Корнеля «Сид», где Л. Тихомиров исполнил Песню.
ГРЕБЕНЩИКОВ, Борис (сокр. БГ) – автор третьего варианта текста Песни и ее пятый исполнитель (в фильме «Асса»).
ДРАЧИНСКИЙ, Марк – спел Песню автору данной статьи почти 30 лет тому назад.
ЙЕХЕЗКИЭЛЬ – библейский пророк. Согласно заявлению автора слов Песни, образы Йехезкиэля вдохновили его творчество. Однако более компетентные граждане считают, что автор не дорос до понимания своих стихов.
КАЛЛОШ, Шандор – советский композитор. Первым обратил внимание на мистификацию В. Вавилова.
КАМБУРОВА, Елена – певица, второй исполнитель Песни (в собственной редакции текста).
КАНОВА, Франческо да Милано (сокр. ФКдМ) – итальянский лютневый композитор 16-го века. К Песне отношения не имеет, хотя ему приписывалась ее музыка. Кроме того: он не был евреем и не писал стихов.
КОВАЛЕВСКАЯ, Ядвига – преподаватель гитары в Лениградском музыкальном училище, предоставившая автору сведения о В. Вавилове. Непосредственного отношения к Песне не имеет.
ЛУФЕРОВ, Виктор – российский бард, четвертый исполнитель Песни (в редакции Е. Камбуровой).
МОРИЦ, Юнна – поэтесса, ее называли автором одной из редакций текста Волохонского. В действительности никакого отношения к Песне не имеет.
ПУШКИН, Александр Сергеевич – русский поэт, автор стихотворения, начинающегося словами «Под небом голубым…» (музыку романса на эти стихи написал Ю.Шапорин). К Песне отношения не имеет.
РУССО, Анри («Таможенник») – французский художник-примитивист. К Песне отношения не имеет.
СОЛОВЬЕВ, Сергей – режиссер фильма «Асса» (1987 г.), где Гребенщиков спел песню «Под небом голубым», авторы которой не были указаны в титрах.
ТАГОР, Рабиндранат – индийский поэт, имя которого как-то связывали с Песней. Непонятно – почему.
ТИМОФЕЕВ, Олег – русскоязычный лютнист, руководитель ансамбля «Айова гитарс», исполнявшего уже в 21-м веке гитарные произведения ВВ.
ТИХОМИРОВ, Леонид – третий исполнитель Песни (текст канонический).
ТУРОВСКИЙ, Роман – художник и композитор, первым начал пропагандировать в Интернете факт, что Франческа Канова не является автором музыки Песни.
ФРАНЧЕСКО ДИ МИЛАНО – неправильно написанное на пластинке имя итальянского композитора Франческо Канова (см.), не имеющего отношения к музыке на этой пластинке, а к Песне – тоже.
ХА-ЛЕВИ, Йехуда – великий еврейский поэт средневековья. Жил давно. К Песне отношения не имеет.
ХВОСТЕНКО, Алексей (сокр. АХ) – редактор музыки и первый исполнитель Песни.
ШАПОРИН Юрий – советский композитор. Написал, в частности, романс «Под небом голубым» на стихи А.С.Пушкина. Тем не менее, к Песне отношения не имеет.
ШЕПТОВИЦКИЙ, Леви – специалист по лютне. Знает все-все-все про Франческо Канова, который не имеет отношения к Песне. Как и сам Шептовицкий.

БЛАГОДАРНОСТИ:

Автор выражает горячую признательность всем, кто помог ему в работе над статьей. Не вдаваясь в подробности персонального вклада каждого из них, перечислю имена в алфавитном порядке: Лика Белоцерковская, Михаил Бейзеров, Елена Борисова, Абрам Бруштейн, Ануар Будагов, Тамара Вавилова, Евгений Витковский, Анри Волохонский, Лариса Герштейн, Владимир Глозман, Эрик Горошевский, Евгений Дрейер, Татьяна Жаковская, Лола Казовская, Елена Камбурова,Даниэль Клугер, Ядвига Ковалевская, Александр Крупицкий, Алексей Кузьмин, Герман Лукомников, Виктор Луферов,Марина Меламед, Лев Меламид, Михаил Мовшиц, Юлия Могилевер, Юнна Мориц, Михаил Рыжик, Виктор Соболенко, Олег Тимофеев, Роман Туровский, Даниэль Фрадкин, Игорь Улогов, Леви Шептовицкий,Илья Улис.
Отдельное спасибо – Интернету в целом.

Алон-Швут,
2005, 15 февраля.

Гейзель Зеев, israbard.net

«НАД НЕБОМ ГОЛУБЫМ…»/ГОРОД ЗОЛОТОЙ

В 1987 году вышел на киноэкраны фильм «Асса», а вместе с ним обрела широкую известность эта мелодия в исполнении БГ. Впрочем, как выяснилось, существовала эта песня и до БГ. Мотив ее долгое время приписывали средневековому итальянскому композитору лютневой музыки Франческо да Милано, а слова — самому Борису Гребенщикову, который не потрудился авторства отрицать. Таким образом, народной молвой песня приписывалась всем, кому угодно, вплоть до средневековых евреев (!!! — это заговор ).

Любопытное состоит в том, что в случае с «Городом…», очевидное — ни есть истинное. А настоящая история этой песни уходит своими корнями в 1972 год, когда советская фирма грамзаписи «Мелодия» выпускает альбом «Лютневая музыка XVI-XVII веков» с именем Владимира Вавилова на обложке. На пластинке 10 произведений и лишь три из них исполнены Вавиловым. Среди них такие известные сейчас, как Аве Мария Джулио Каччини и Ричеркар Николо Негрини. Лишь три композиции действительно, исполняет В. Вавилов (лютня). Так почему же только его фамилия на обложке?..

Да-да, именно Владимир Вавилов — настоящий автор «средневековой лютневой музыки». В советские времена композитор без высшего музыкального образования предпочел выяснению отношений с худсоветом невинную мистификацию, состоящую в преписывании собственных мелодий малоизвестным музыкантам эпохи возрождения.
И так родилась эта мелодия. Через год после выхода пластинки 11 марта 1973 г., умер ее настоящий автор Вавилов. Примерно в это же время не выходит эта музыка из головы поэта с инженерным образованием, автора песен Анри Гришевича Волохонского. Гуляя по Питербургу, то и дело навещая известного в то время ленинградского художника Бориса Аскерольда (Акселя), который в то время работал над панно «Небо», Андрей Волохонский однажды сочиняет (а точнее, «записывает за 15 минут») строчки, ложащиеся на мелодию Канцоне Вавилова. Вот они:
 

Первоначальный вариант стихов А.
  Волохонского (1972 г.)отсутствие пунктуации автора
сохранено=)
Над небом голубымЕсть город золотой

С прозрачными воротами

И яркою стеной

А в городе том сад

Все травы да цветы

Гуляют там животные

Невиданной красы

Одно как рыжий огнегривый лев

Другое – вол, исполненный очей

Третье – золотой орел небесный

Чей там светел взор незабываемый

А в небе голубом

Горит одна звезда

Она твоя о Ангел мой

Она всегда твоя

Кто любит тот любим

Кто светел тот и свят

Пускай ведет звезда твоя

Дорогой в дивный сад

Тебя там встретят огнегривый лев

И синий вол исполненный очей

С ними золотой орел небесный

Чей так светел взор незабываемыйВерсия Е. Камбуровой (найдите
10 отличий=))Над твердью голубойЕсть город золотой

С высокими воротами

С прозрачную яркою стеной

В том городе сады

И травы и цветы

В садах гуляют звери

Нездешней красы

Тебя там встретит огнегривый лев

И белый вол преисполненный очей

С ними золотой орел небесный

Чей так светел взор незабываемый

А в тверди голубой

Горит одна звезда

Она твоя о Ангел мой

Она всегда твоя

Кто любит тот любим

Кто светел тот и свят

Пускай ведет звезда тебя

Дорогой в дивный сад

 

Херувим-тетраморф (46074 bytes)

А вот и апокалиптические существа собственной персоной. В древности художники стремились как можно
точнее следовать библейскому тексту,
представляя Херувимов с четырьмя ликами (видите —
все, как в песенке поется). Такое изображение
Херувима называют тетраморф («четырехликий»).
Херувим-тетраморф истолковывался как символ
единого Евангелия — Слова Божия, записанного
четырьмя евангелистами; а также как символ
четырех сторон света, четырех времен года,
четырех планет… Короче, все как обычно, зависит
от вашей испорченности=)) Илл.: фрагмент фрески XVI
в., Метеора, Греция

Позже Волохонский передает слова и музыку своему другу и соавтору Алексею Хвостенко, который становится первым исполнителем песни. А первое ее название, простое и емкое, — «Рай». Вол

хонский не скрывает, что заимствовал образы для стихотворения из ветхозаветных преданий: «Аксель делал тогда это самое «Небо на земле»… А мы делали вид, что помогаем Акселю — кололи смальту и составляли куски мозаик по его росписям, впрочем довольно бездарно. Акселю приходилось нас поправлять. А я вообще по большей части лодырничал. В прямом смысле слова он мне ничего не говорил и не советовал, но атмосфера была та самая.»

Слышит эту песню от Хвостенко Елена Камбурова. И впоследствии исполняет в собственной редакции вот уже на протяжении многих-многих лет. Она — второй исполнитель песни. Было и много других бардов. К слову сказать, Борис Гребенщиков стал исполнять эту песню лишь в 1986 году. Причем, важная деталь, в его интерпретации «Город…» кардинально поменял свое расположение и оказался под небом, видимо в силу особого религиозного мировоззрения. «Царство Божие находится внутри нас, и поэтому помещать Небесный Иерусалим на небо… бессмысленно», — комментирует такую рокировку сам легендарный БГ.

Меняются названия, появляются новые и новые переводы (песня существует на иврите и на английском. А песне-мечте о Золотом Граде, бог знает каким чудом родившейся в стране советов вот уже 40 лет…

ВИДЕО[b]

[b]Женское исполнение. Елена Камбурова — «Над твердью голубой…»:

MP3: Если вы помните таблицу умножения, то несложно будет скачать версии песни отсюдаhttp://music.tonnel.ru/index.php?l=music&alb=34253

по материалам публикации Зеева Гейзеля, который распутывал весь запутанный клубок мистификаций вокруг «Золотого города»: http://www.israbard.net/israbard/pressview.php?press_id=1049809438

и свободная энциклопедия способствовала: http://ru.wikipedia.org/wiki/Город_золотой

Ямщик, не гони лошадей

Когда-то очень давно у нас был патефон. А с ним и несколько пластинок. Большие такие чёрные блины на 33 оборота и с каждой стороны по одной песне. Тогда-то я и услышала ЯМЩИК, НЕ ГОНИ ЛОШАДЕЙ. Запало в душу. А потом узнала, что это -романс. Русский романс. А ещё потом узнала,что авторами русских романсов не так редко были совершенно не русские люди. Тем больше плюсов я ставлю романсам.

100 лет назад — в 1913 г. — состоялась знаменательная встреча в московском издательстве Ямбора. Здесь случайно встретились и познакомились известный в те годы поэт — обрусевший немец Николай фон Риттер и начинающий композитор  Яков Фельдман. Оба приехали, чтобы издать свои произведения. Поэт показал молодому музыканту свои стихи, и Яков отобрал некоторые из них, чтобы положить на музыку. Среди них было пронзительное стихотворение “Ямщик, не гони лошадей!”, сразу пленившее музыканта своими большими чувствами и трагедийным звучанием, неизбывной печалью и высокой искренностью.
Как грустно, туманно кругом,
Тосклив, безотраден мой путь,
А прошлое кажется сном,
Томит наболевшую грудь!

Ямщик, не гони лошадей!
Мне некуда больше спешить,
Мне некого больше любить,
Ямщик, не гони лошадей!

Вскоре после этой встречи Яков возвратился в Воронеж, где он руководил городским оркестром. В том же тринадцатом году на гастроли в Воронеж приехала молодая, но уже популярная певица-сопрано Агриппина Сергеевна Гранская. Не обладая большим диапазоном голоса, она владела красивым, чистым тембром, и пела так проникновенно, что мгновенно завоевывала сердца слушателей. Завоевала она и сердце дирижера Фельдмана. Яков влюбился в нее сразу, безоглядно и на всю жизнь. Девушка ответила ему взаимностью. С этих пор, что бы не сочинял музыкант, все сочинения он посвящал своей любимой.

Первым романсом, написанным Яковом для Агриппины, стал “Ямщик, не гони лошадей!”.

 

 

И молодая певица была первой его исполнительницей. Романс имел оглушительный успех. Сначала его запел Воронеж, а потом – вся Россия. Не было нотного издательства, не издавшего этот романс, не было ни одной русской фирмы грампластинок не штамповавшей его с разными исполнителями. Даже немой фильм появился на сюжет романса. Его снял в 1916 году театральный художник Евгений Бауэр, а главную женскую роль сыграла популярная писательница Надежда Тэффи… Пришла революция и романс с ямщиком был низвергнут. Его объявили классово чуждым, не соответствующим коммунистической идеологии, и надолго запретили. Народ, конечно, его по-прежнему пел, считая своей, народной песней. Но с концертных площадок он был изгнан. И только в начале тридцатых годов романсы реабилитировали, вновь разрешили петь со сцены.
Агриппина Сергеевна Гранская рано ушла из жизни. Она умерла от тяжелой болезни в 1925 году. Яков Лазаревич Фельдман пережил ее на 25 лет. Следы автора текста романса “Ямщик, не гони лошадей!” затерялись в эмиграции. Где и когда он закончил свои дни, неизвестно. Но этот романс – лучшее его произведение – вместе с музыкой Якова Фельдмана пережил своих создателей, прожил уже первую сотню лет, и его по-прежнему поют и еще долго будут петь.

Ямщик,не гони лошадей- Борис Штоколов http://www.youtube.com/watch?v=EdwVK2LW1lo

 Negon01.jpg«Ямщик, не гони лошадей» — русский романс, относящийся к так называемым ямщицким песням.Автор стихов: Николай Алексеевич фон Риттер, автор музыки: Яков Лазаревич Фельдман. Приблизительные даты создания: стихи написаны не позднее 1905 года, музыка — в 1915 г.

 

Первая или одна из первых публикаций романса[1]

Ямщик, не гони лошадей[2]

Как грустно, туманно кругом, Тосклив, безотраден мой путь, А прошлое кажется сном, Томит наболевшую грудь!
Ямщик, не гони лошадей! Мне некуда больше спешить, Мне некого больше любить, Ямщик, не гони лошадей!
Как жажду средь мрачных равнин Измену забыть и любовь, Но память, мой злой властелин, Всё будит минувшее вновь! Ямщик, не гони лошадей! Мне некуда больше спешить, Мне некого больше любить, Ямщик, не гони лошадей!
Всё было лишь ложь и обман… Прощай, и мечты и покой! А боль незакрывшихся ран Останется вечно со мной!
Ямщик, не гони лошадей! Мне некуда больше спешить, Мне некого больше любить, Ямщик, не гони лошадей!
Ямщик, не гони лошадей!..
Как грустно, туманно кругом,
Тосклив, безотраден мой путь,
А прошлое кажется сном,
Томит наболевшую грудь.
Ямщик, не гони лошадей,
Мне некуда больше спешить,
Мне некого больше любить,
Ямщик, не гони лошадей.
Как жажду средь мрачных равнин,
Измену забыть и любовь,
Но память — мой злой властелин
Всё будит минувшее вновь.
Ямщик, не гони лошадей,
Мне некуда больше спешить,
Мне некого больше любить,
Ямщик, не гони лошадей.
Всё было, лишь ложь и обман,
Прощай и мечты и покой,
А боль не закрывшихся ран
Останется вечно со мной.
Ямщик, не гони лошадей,
Мне некуда больше спешить,
Мне некого больше любить,
Ямщик, не гони лошадей.
Ямщик, не гони лошадей.
Ямщик, не гони лошадей.

История создания

Буклет к романсу «Ямщик, не гони лошадей»

Точная дата появления стихотворного текста неизвестна, но написано стихотворение не позднее 1905 года. Музыка к ним — не позднее 1914 года, а скорее всего — в 1915 г.[2]. Стихи, хоть и были сочинены лет на десять раньше, но обрели известность значительно позже благодаря появившемуся музыкальному оформлению[1]. Музыка к романсу «Ямщик, не гони лошадей» была сочинена как ответ на романс «Гони, ямщик!» (слова К. Остапенко, музыка В. Семенова)[2]. Почему ответ — неизвестно. Стало ли это только творческим «разговором» или авторы обоих романсов хорошо друг друга знали, — неизвестно. Возможно, что композитор увидел общую тему романса: обманутая в любви женщина. Ведь первой исполнительницей романса «Ямщик, не гони лошадей» тоже стала женщина — певица Агриппина Сергеевна Гранская[3]. Очень много вопросов в истории русского романса как жанра не находит ответа. В самом начале 1920-х годов культура романса на несколько лет замолкла — уж слишком не вписывался этот жанр в марши и бравурные мелодии начала советских лет. Романс «Ямщик, не гони лошадей», едва появившись в 1915 году, в 1920-м уже был запрещен к исполнению как явление антиклассовое и несовместимое с идеалами нового социалистического общества[1][3]. Вместе с ним попали под запрет и еще несколько известных романсов (в том числе «Гори, гори, моя звезда»). В СССР романс стал расцениваться как ненужный буржуазный пережиток. Лишь через много лет романс «Ямщик, не гони лошадей» вернулся к слушателям. И не просто вернулся, а занял место в одном ряду с самыми популярными вокальными произведениями.[править]Поэт

 

Николай Алексеевич фон Риттер

Поэт Николай Алексеевич фон Риттер, чьи стихи были положены в основу романса, до революции был автором многих лирических стихотворений[4][5], в том числе положенных на музыку разными композиторами: «Ах, зачем эта ночь»[6], «В небе ясном пташечка», «Весенний сон», «Всей силою страсти», «Где туберозы и левкои», «Как янтарь вино горит» и мн. др.[7]. Он родился и вырос в интеллигентной семье, отец его был известным литератором и журналистом[4][5]. Николай Алексеевич получил прекрасное гуманитарное образование, стал поэтом, но и не только поэтом — он и сам положил на музыку несколько своих стихотворений, ставших таким образом романсами (романс «Шутила ты»)[4]. Происходил он из обрусевших немцев — в 1766 году его предок Георг фон Риттер приехал в Россию, поступил в Московский полк и к началу XIX века дослужился до генерал-лейтенанта. Приняв Российское подданство, он и все его потомки стали жителями России. Первая мировая война и революция 1917 года в России вынудила к эмиграции и многих русских людей, которых стали рассматривать как не русских или не нужных стране и государству. След поэта Николая Алексеевича Риттера затерялся в эмиграции, куда он уехал после 1917 года…[5][3]. Больше о нем ничего неизвестно.[править]КомпозиторЯков Лазаревич Фельдман (1884—1950)[8][9] был известен как автор нескольких романсов; помимо получившего огромную известность «Ямщик, не гони лошадей», он является композитором романсов «Зацелуй мои очи бессонные» (издатель Н. Х. Давингоф, Петроград, 1910-е гг.), «Камин потух» (издатель Н. Х. Давингоф, Петроград, 1910-е гг.), «Если б знал ты, родной» на слова Инны Мандражи (издатель Н. Х. Давингоф, 1916 год)[10]. С певицей Агриппиной Сергеевной Гранской он познакомился в Воронеже в январе 1913 года, когда ему было 29 лет. Любовь вспыхнула моментально. С тех пор еще в течение 15 лет все свои произведения он посвящал только ей[3]. Надпись посвящения ей стоит на всех его прижизненных изданиях романсов, начиная с того самого 1913 года. Через год они поженились, а дальше работали вместе, гастролируя с концертами. В 1915 году Агриппина Сергеевна Гранская стала первой исполнительницей нового романса «Ямщик, не гони лошадей». Через два года, в октябре 1917 года, свершился государственный переворот. В 1920 году романс как враждебный советской власти был запрещен к исполнению. Агриппина Сергеевна умерла в 1925 году. Яков Лазаревич пережил ее на четверть века, скончавшись в 1950 году: работал музыкантом и дирижером в разных городах[3]. Триумфального возвращения своего романса он не застал. 


***

8592735001558.jpg

Обложка первого альбома

24 мая 1941 года родился знаменитый рок-исполнитель Боб Дилан. Он являлся культовой фигурой в рок-музыке на протяжении пяти десятилетий, а многие его песни стали гимнами движения за гражданские права и антивоенного движения в США. Сегодня мы решили вспомнить важные события из жизни знаменитого певца и проиллюстрировать их в нашей фотоподборке.

Боб-Дилан-600x600.jpg

Боб Дилан (Роберт Аллен Циммерман) появился на свет в штате Миннесота, в городе Дулут, 24 мая 1941 года. Его бабушка и дедушка по отцу были евреями из Одессы, а предки матери происходили из Литвы. Родители Роберта, которые занимались мелкой торговлей, состояли в местной еврейской общине и придерживались всех традиций.

1826.jpg

 

Боб Дилан. Нью-Йорк, Гарлем, 132 and FDR drive, 4 ноября 1963 год

Детство Дилана прошло в городке Хиббинг, куда семья переехала в 1947 году. Уже в раннем возрасте он увлекся музыкой, отдавая предпочтение блюзу и фолку.

ffixin_to_dbb8c8af65b2b1ffaeeaa84.jpg

Боб Дилан в юности

Особенно впечатлила Роберта фолк-музыка Вуди Гатри, манера исполнения которого сильно повлияла на его раннее творчество. В это время Дилан активно обучался игре на гитаре и губной гармошке, а в 10 лет написал свои первые стихи.

Bob_Dylan_620.jpg

Молодой Дилан

В 1959 году, после окончания школы, Боб поступил в Университет Миннесоты. В свободное время он выступал в студенческих кафе и барах.

389035.jpg

original.jpg

После встречи в Денвере с блюзменом Джесси Фуллером, он окончательно решил стать музыкантом и взял имя Боб Дилан.

e67bf98ddd06c023e8e672bbafa48.jpg

Джесси Фуллер

fjesse_full2458df36ea945d93e65061.jpg

Джесси Фуллер, выступление

В 1961 году Дилан переехал в Нью-Йорк, а в феврале 1962 года выпустил первую пластинку «Bob Dylan».

Это случилось благодаря Джону Хэммонду, представителю компании «Columbia A&R», которая и заключила контракт с молодым музыкантом. Альбом состоял из композиций классического блюз- и фолк-репертуара и содержал всего две оригинальные песни.

ee41627bf2b5d2f2d65049dd9213b949.jpg

Боб Дилан, 19 марта 1962

Известность и популярность Боб Дилан получил благодаря своему второму альбому «The Freewheelin» Bob Dylan (1963), в который вошли много протестных песен и композиций с политическим подтекстом.

M25593.jpg

Обложка альбома The Freewheelin

Большинство из них были оригинальные, но присутствовали и народные песни. Например, Дилан написал слова на музыку народной композиции Nottamun Town, превратив ее в антивоенный гимн. Альбом оказался поворотным в истории фолка и со временем стал платиновым.

1920px-Joan_Baez_Bob_Dylan.jpg

Боб Дилан и Джоан Баез, август 1963 года

The Freewheelin Bob Dylan не просто произвел впечатление на поклонников фолк-музыки. Он оказал влияние на многих музыкантов, в том числе The Beatles. Благодаря этому альбому ливерпульская четверка стала усложнять свой репертуар и экспериментировать с песнями.

bob-dylan-the-beatles.jpg

The Beatles и Боб Дилан

В следующих работах музыканта появляются вкрапления ритм-энд-блюза, а слова песен становятся более суггестивными и литературными. Дилан был первым, кто начал в текстах излагать суть не прямо, а с помощью сложных образов. Постепенно Боб Дилан переходил от фолка к рок-н-роллу.

140501-bob-dyland-mn-1050_286fcd1b7873d9e7cadec87b55272120.jpg

Боб Дилан в 1960-х

1960-е годы стали пиком популярности артиста. Он отыграл свои лучшие концерты и создал, по мнению многих, три лучших альбома, которые объединились в великую рок-трилогию. В нее входят альбом «Bringing It All Back Home» (1965) в стиле фолк-рок и две чисто роковые пластинки — «Highway 61 Revisited» (1965) и «Blonde on Blonde» (1966).

Dylan-Bringing-It-All.jpg

Боб Дилан, обложка альбома Bringing It All Back Home

album_Various-Artists-Highway-61-Revisited-REVISITED.jpg

Боб Дилан, обложка альбома Highway 61 Revisited

139315.jpg

Боб Дилан, обложка альбома Blonde on Blonde

Споры о том, какую из этих работ стоит считать вершиной творчества Дилана, не утихают до сих пор, но большинство музыкальных критиков сходятся в одном — эта трилогия стала самым заметным явлением в американской культуре ХХ столетия.

bobdylantimes.jpg

Фото Боба Дилана

В то же время переход от фолка к року был для Боба Дилана болезненным. Многие поклонники отвернулись от музыканта из-за того, что он перестал исполнять протестные песни в стиле фолк. Есть задокументированный случай, когда во время концерта в Манчестере толпа кричала ему «Иуда!». Но в целом популярность Дилана не угасала. Его турне по Великобритании, которое он провел в составе блюз-группы «The Band», было очень насыщенным и сопровождалось аншлагами.

triumph-bonneville-1.jpg

Дилан верхом на байке

В 1966 году Боб Дилан попал в аварию и на время прекратил гастрольную деятельность. Говорили, что его состояние критическое, и что потребуется много времени на восстановление. Однако позже стало ясно, что рок-музыкант использовал эту неприятную ситуацию, чтобы переосмыслить свою музыкальную деятельность и понять, в каком направлении двигаться дальше.

2013-08-15-ScreenShot20130815at2.08.59PM.png

В течении нескольких лет он принимал у себя в загородном доме только музыкантов из коллектива «The Band», с которыми записал альбом «John Wesley Harding» (1967), положивший начало новому направлению — кантри-року.

band.jpg

The Band вместе с Бобом Диланом, 1974 год

В 1974 году, после длительного творческого кризиса, Боб Диланвернулся на рок-сцену. Он записал новый альбом «Planet Waves», в поддержку которого вместе с «The Band» отправился в длительный тур по Америке, ставший в коммерческом плане самым успешным в истории рок-музыки.

t74_bob_gruen_1.jpg

The Band и Боб Дилан

Через год на волне невероятного успеха и триумфа Дилан заявил о новом грандиозном концертном туре, который, по его мнению, должен был превзойти предыдущий. Это был великий тур, завершившийся концертом в Сан-Франциско 25 ноября 1976 года. Об этом событии режиссер Мартин Скорсезе выпустил известный музыкальный фильм «Последний вальс».

027616150240f.jpg

«The Band» прекратили свою деятельность, но Боб Дилан продолжал давать сольные концерты. В 1980-е годы музыкант неожиданно для всех обратился в христианство, стал резок в своих высказываниях по поводу порнографии и проституции. Это отвернуло от Дилана поклонников, а Джон Леннон даже сочинил песню против его призыва «надо служить кому-то».

bob-dylan-beatles.jpg

Боб Дилан и Джон Леннон

Боб Дилан продолжает давать концерты и выпускать альбомы. И хоть делает это не так часто, как раньше, его музыка все еще пользуется успехом. Так, в 1998 году альбом «Time Out of Mind» удостоился трех премий Грэмми, а вышедший в 2006 году «Modern Times» был назван журналом «Rolling Stone» Лучшим диском года.

aedd07aeb9227976068a2fe713549ed3.jpg

large_sovakar-tallina-boba14.jpg

Кроме музыкальных наград Дилан является обладателем Пулитцеровской премии по литературе и «Оскара» за песню к фильму «Вундеркинды».

KMO_120232_05244_1_t221_201640.jpg

Боб Дилан на премии Оскар, 1999 год

По данным опроса, проведенного изданием «Rolling Stone», Боб Дилан занял второе после «The Beatles» место в списке величайших рок-музыкантов.


История одной песни: Blowing in the wind by Bob DylanBlowing in the wind by Bob Dylan

Blowing in the wind — одна из тех песен, которую многие знают и любят, однако понятия не имеют, кто ее написал и первый исполнил. В том числе потому, что ее пели очень и очень многие. Чаще всего Blow in ginthewind называют песней акций протеста. Ее считают своим гимном пацифисты и борцы за права человека, так как в ней поднимаются вопросы войны и мира и свободы. С тех пор было много песен написано, однако как в конце 60-х во время акций протеста против войны во Вьетнаме, так и в 2000-х во время акций протеста против войны в Ираке чаще всего звучала именно Blowing in the wind.

Между тем, ее автор — Боб Дилан периодически подчёркивал, что он не политик, не пророк и не политический представитель молодого поколения, а музыкант. Во время первого исполнения «Blowin’ in the Wind» Дилан предупредил слушателей о том, что песня не является политической.

Однако хотел он того или нет, песня стала не просто хитом, а действительно гимном для многих молодых людей, искавших смысл жизни в 1960-х годах.

Вообще, своей песней Дилан многих запутал. Изначально она носила другое название — «9 вопросов», лишь потом была переименована в «В дуновении ветра». Музыкальные критики тогда писали: или ответ на вопросы в песне настолько очевиден, что он прямо перед глазами, или он настолько неуловим, как ветер.

Не внес ясности и сам Дилан:

«Важно лишь то, что ответ действительно в дуновении ветра. Его нельзя найти ни в книге, ни в фильме, ни в телевизионном шоу. Многие пытаются убедить меня, что ответы на вопросы в песне существуют, но я отказываюсь в это верить».

Первоначальный вариант песни отличался не только названием, но и текстом — там было только два куплета. Третий (он в середине) был добавлен позже. В самом тексте находили пересечения с Библией — с Ветхим Заветом.

Текст песни

 

Blowing in the wind

По ветру

How many roads must a man walk down
Before you call him a man?
How many seas must a white dove sail
Before she sleeps in the sand?
How many times must the cannon balls fly
Before they’re forever banned?
The answer, my friend, is blowin’ in the wind
The answer is blowin’ in the wind. How many years can a mountain exist
Before it’s washed to the sea?
How many years can some people exist
Before they’re allowed to be free?
Yes, how many times can a man turn his head
Pretending he just doesn’t see?
The answer, my friend, is blowin’ in the wind
The answer is blowin’ in the wind. How many times must a man look up
Before he can see the sky?
How many ears must one man have
Before he can hear people cry?
And how many deaths will it take till he knows
That too many people have died?
The answer my friend is blowin’ in the wind
The answer is blowin’ in the wind.
Сколько дорог человек должен пройти
Прежде, чем ты назовешь его человеком?
Сколько морей белая голубка должна пролететь
Прежде, чем уснуть на песке?
Сколько раз пушечные ядра должны пролететь
Прежде, чем они навсегда будут запрещены?
Ответ, мой друг, летает по ветру
Ответ летает по ветру. Сколько лет гора будет стоять
Прежде, чем море вымоет ее?
Сколько лет люди могут жить
Прежде, чем их выпустят на волю?
Да, сколько раз человек может
Отворячивать свою голову
Будто он не видит вас?
Ответ летает по ветру. Сколько раз должен человек взглянуть ввысь
Прежде, чем он увидит небо?
Сколько ушей у человека должно быть
Прежде, чем он услышит чей-то плачь?
И сколько смертей должно наступить
Прежде, чем он узнает,
Что слишком много людей полегло?
Ответ, мой друг, летает по ветру
Ответ летает по ветру.

Как это часто случается, песня стала хитом не в исполнении самого автора, а когда спустя несколько месяцев после выхода альбома Дилана, ее перепели Peter, Paul and Mary. Хотя за эти годы песню исполняли Марлен Дитрих, Элвис Пресли, Дюк Эллингтон, Нил Янг и Стиви Уандер, больше всего «Blowin’ in the Wind» известна именно в исполнении американского фолк-трио.

22 мая 1970 — последний и сборный альбом The BEATLES — «Let It Be» вышел на первое место в британском альбомном чарте.

Let it be. The Beatles.

У этой знаменитой и, кажется, такой легкой песни совсем не простая история. Обстановка, в которой она записывалась, была очень тягостной.

Let It Be из одноименного альбома стала последним синглом, выпущенным группой до фактического распада коллектива. Но в историю современной музыки композиция вошла не только и не столько по этой причине: она заняла первые места в чартах многих стран и до сих пор входит в различные рейтинги лучших песен.

Видео, как The Beatles записываются в студии

Let It Be сочинил Пол Маккартни, хотя официально ее соавтором всегда указывается Джон Леннон. Маккартни много раз рассказывал, что идея песни пришла к нему во сне, в котором он увидел свою покойную мать Марию, которая умерла от рака, когда Полу было 14 лет.

Этот сон Маккартни увидел в очень сложный для него жизненный период, когда он переживал из-за ухудшившихся взаимоотношений в группе, и «появление» матери приободрило музыканта. Пол посчитал тот сон «настоящим благословением», так что песня Let It Be основана на нем.

ТЕКСТ

Let It Be
When I find myself in times of trouble
Mother Mary comes to me
Speaking words of wisdom let it
be
And in my hour of darkness
She is standing right in front of me
Speaking words of wisdom let it beLet it be, let it be
Let it be, let it be
Whisper words of wisdom let it beAnd when the broken-hearted people
Living in the world agree
There will be an answer let it be
For though they may be parted
There is still a chance that they will see
There will be an answer let it beLet it be, let it be
Let it be, let it be
Yeah there will be an answer let it be

Let it be, let it be
Let it be, let it be
Whisper words of wisdom let it be

Let it be, let it be
Let it be, yeah let it be
Whisper words of wisdom let it be

And when the night is cloudy
There’s still a light that shines on me
Shine until tomorrow let it be
I wake up to the sound of music
Mother Mary comes to me
Speaking words of wisdom let it be

Let it be, let it be
Let it be, yeah let it be
Oh there will be an answer let it be

Let it be, let it be
Let it be, yeah let it be
Oh there will be an answer let it be

Let it be, let it be
Let it be, yeah let it be
Whisper words of wisdom let it be Пусть будет так
Когда проблемы обрушиваются на меня,
Моя мама Мэри предстает передо мной
Она произносит мудрые слова: «Пусть будет так»
И в трудный для меня час напастей
Она снова стоит передо мной
И произносит мудрые слова: «Пусть будет так»Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Она шепчет мудрые слова «пусть будет так»И когда люди с разбитым сердцем
Живут в согласии с миром
Есть лишь один ответ: «Пусть будет так»
И хотя они могут расстаться с любимыми
Еще есть шанс, что они поймут,
Что есть ответ: «Пусть будет так»Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Да, будет ответ: «пусть будет так»

Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Она шепчет мудрые слова «пусть будет так»

Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Она шепчет мудрые слова «пусть будет так»

И даже в облачную ночь
Есть луч, что освещает меня
Свети до завтра, пусть будет так
Я просыпаюсь под музыку
Моя мама Мэри передо мной
Шепчет мудрые слова «пусть будет так»

Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Да, будет ответ: «пусть будет так»

Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Да, будет ответ: «пусть будет так»

Пусть будет так, пусть будет так,
Пусть будет так, пусть будет так,
Она шепчет мудрые слова «пусть будет так»

Между тем, многие поклонники The Beatles решили, что буквально в самом начале песни идет отсылка к Деве Марии — «Mother Mary» (мать Мэри). Религиозный христианский подтекст обнаружил в Let It Be и Джон Леннон, которому песня очень не понравилась.

Перед записью он сказал: «А сейчас мы хотели бы исполнить гимн «Hark the Angels Come» (Услышьте, грядут ангелы)». Леннон постарался сделать всё возможное, чтобы на альбоме после «Let It Be» шла «Maggie Mae», песня о проститутке из Ливерпуля. А однажды он высказался так: «Это Пол, что я могу еще сказать? Ничего от TheBeatlesв этой песни нет. Это могли бы быть Wings. Понятия не имею, о чем он думал, когда писал эту песню. Наверно, его вдохновила Bridge Over Troubled Water». Правда, здесь Джон ошибся. Bridge over Troubled Water появилась несколько позже Let It Be, так что Пол не мог написать свою песню под впечатлением от композиции группы Simon and Garfunkel.

Непростым был не только процесс создания, но и записи песни. Первоначально планировалось записать альбом перед зрителями в прямом эфире. В еще одной передаче хотели показать, как Beatles репетируют в студии. Однако, от этой мысли пришлось отказаться. Группа решила использовать отснятый материал в качестве своего последнего фильма. Пока шла работа над фильмом, Beatles успели записать и выпустить альбом «Abbey Road», после чего группа распалась.

В конце концов, пленки передали Филу Спектору и попросили его выпустить альбом, который появился спустя много месяцев после распада Beatles. Результат не понравился уже Маккартни, и в 2003 году он настоял на перезаписи альбома без влияния Спектора. В результате появился альбом «Let It Be… Naked». Песни Maggie Mae и Dig It с него убрали, а в Let It Be использовали совершенно другое гитарное соло.

Несмотря на все эти трудности, поклонники ливерпульской четверки высоко оценили Let It Be. Песня поднялась на первую строчку Billboard Hot 100 и вошла в десятку лучших синглов многих других стран. Журнал Rolling Stone поместил ее на двадцатое место рейтинга 500 величайших песен всех времен.

Стоит упомянуть, что «Let It Be» стала первой песней Beatles, выпущенной в Советском Союзе. Произошло это в 1972 году.

 

Strangers in the Night

Оригинальная версия была записана без слов. Берт Кемпферт немецкий композитор и аранжировщик, написал музыкальную тему для фильма «Мужчина, который мог быть убит» режиссёра Джеймса Гарнера. Текст к «Strangers in the Night» позже написали Эдди Снайдер и Чарльз Синглтон. Вскоре Бобби Дарин и Джек Джонс записали свои версии этой песни. Однако Боуэн сразу же предложил исполнить её Фрэнку Синатре.

 

Что произошло дальше — ни для кого не секрет: уже через два месяца эта композиция была на вершине популярности в Великобритании, ещё через месяц — в США, и стала одной из самых успешных записей в карьере певца. В1967 году, благодаря этой песне, Фрэнк Синатра получил две премии «Грэмми» за лучшую запись года, а также стал лучшим мужчиной-исполнителем.

Между тем, если задаться целью и узнать, кто был автором «Strangers in the Night», и начать поиск в интернете, то в голове образуется какая-то путаница. Любопытно, что в Википедии статья о песне на русском языке отсутствует. Можно найти статьи, в которых авторство этой песни приписывается некому «Сигарному королю» из Доминиканской Республики Аво Увезяну. В еще большем количестве статей фигурирует Иво Робик, который, как указывается, написал ее для музыкального фестиваля в Хорватии. Действительно песня существует в нескольких вариантах: помимо английского — на хорватском (StanciuNochi) и немецком (FremdeinderNacht). Однако, когда StanciuNochi были выпущены югославской звукозаписывающей компанией, в качестве автора был указан именно Кемпферт. Так же французский композитор Мишель Филипп-Жерар заявил, что мелодия «Strangers in the Night» была основана на его композиции «Magic Tango». Однако в 1971 году суд во Франции отверг все его претензии.

ТЕКСТ

Strangers in the night exchanging glances
Wond’ring in the night what were the chances
We’d be sharing love before the night was throughSomething in your eyes was so inviting
Something in you smile was so exciting
Something in my heart told me I must have youStrangers in the night
Two lonely people, we were strangers in the night
Up to the moment when we said our first hello little did we know
Love was just a glance away, a warm embracing dance awayandEver since that night we’ve been together
Lovers at first sight, in love forever
It turned out so right for strangers in the nightLove was just a glance away, a warm embracing dance awayEver since that night we’ve been together
Lovers at first sight, in love forever
It turned out so right for strangers in the night
Незнакомцы в ночи, обменялись взглядами
Поверив в ночи, что это шанс
Найти свою любовь
Пока ночь в разгаре.Что-то в твоих глазах было таким приглашающим,
Что-то в твоей улыбке было таким захватывающим,
Что-то в моём сердце,
Сказало мне, что у меня должна быть ты.Незнакомцы в ночи, два одиноких человека,
Мы были незнакомцами в ночи до того момента,
Пока не сказали наше первое «привет»!Мы не знали,
Что наша любовь — в шаге от нас,
Тепло танца окутало нас и —
Начиная с этой ночи, мы всегда будем вместе.
Любовь с первого взгляда, любовь на века.
Стала правдой,
Для незнакомцев в ночи.… любовь была в шаге от нас,
Тепло танца окутало нас и —
Начиная с этой ночи, мы всегда будем вместе.
Любовь с первого взгляда, любовь на века.
Стала правдой,
Для незнакомцев в ночи.

Между тем, «Strangers in the Night» на самого Синатру впечатления не произвела с самого начала. А позже он вообще признавался, что ненавидит и презирает ее.

 

I WILL SURVIVE Gloria Gaynor

I will survive — еще одна песня, которая стала манифестом. Своим гимном ее считают многие, что и не удивительно — текст песни тому способствует. Слова «я буду жить» произносят люди, которые пережили сильное потрясение, потеряли близких или столкнулись с невероятными трудностями, но несмотря ни на что продолжают идти вперед.

В разное время I wil lsurvive называли своим гимном феминистки, ВИЧ-инфицированные, представители гей-сообщества, футбольная сборная Франции на чемпионате мира 1998 года, наконец, обычные женщины и мужчины, которых бросили их возлюбленные. Сама Гейнор всегда рассматривала ее как песню о преодолении трудностей в широком смысле слова: «мне нравится, что она поддерживает, мне нравится, что она ободряет. Это вечные слова, рассказывающие о вечной проблеме».

ПЕСНЯ

Вполне возможно, что сама судьба или провидение свело Глорию Гейнор с композиторами-песенниками Дино Фекарисом и Фредди Перреном. Дело в том, что Фекарис и Перрен написали песню, после того, как были уволены с работы. До этого они несколько лет работали в штате Motown records. После того, как песня была готова, начались поиски на роль исполнительницы I will survive. И поиски эти затянулись так, что композиторы решили отдать песню первой же певице, которая выскажет такое пожелание. Именно в этот момент к ним обратились представители компании, в которой записывалась Глория Гейнор.

Сама Гейнор была в такой ситуации, когда I will survive подходила ей как никогда. После оглушительного успеха и получения неофициального титула «королева Диско», певица потеряла мать, а вскоре после этого упала на сцене во время выступления и сильно повредила спину. Пока Гейнор восстанавливалась, ее место на музыкальном Олимпе начали занимать другие звезды, а публика стала постепенно забывать.»Никто не верил, что я снова выйду на сцену. В это же время и записывалась «I Will Survive», которая стала и для меня поддержкой» — отметила Гейнор в одном из интервью.

ТЕКСТ


I Will Survive


I Will Survive

At first I was afraid I was petrified
Kept thinking I could never live without you by my side
But then I spent so many nights
Thinking how you did me wrong
And I grew strong
And I learned how to get along
And now you’re back
from outer space
I just walked in to find you here with that sad look upon your face
I should have changed that stupid lock
I should have made you leave your key
If I’ve known for just one second you’d back to bother me
Сначала я испугалась, я оцепенела,
Все думала о том, что не могла жить, если тебя нет рядом
Но затем ночь за ночью
Я думала, как нечестно ты обошелся со мной
И я окрепла
И я научилась жить дальше
И теперь ты вернулся
Откуда-то из космоса
Я лишь вошла и увидела, что ты здесь с таким печальным выражением на лице
Я бы заменила тот дурацкий замок,
Я бы заставила тебя отдать свой ключ,
Если бы знала, что ты вернешься, чтобы докучать мне
Chorus:
Go on now, go walk out the door
Just turn around now
‘Cause you’re not welcome anymore
Weren’t you the one who tried to hurt me with goodbye
Do you think I’d crumble
Did you think I’d lay down and die?
Oh no, not I. I will survive
Oh as long as I know how to love
I know I’ll stay alive
I’ve got all my life to live
I’ve got all my love to give and I’ll survive
I will survive
Припев:
Давай, иди за дверь,
Отворачивайся и уходи,
Потому что тебе здесь больше не рады
Разве не ты пытался причинить мне боль своим прощанием
Ты думаешь, я должна упасть духом?
Ты думаешь, я должна лечь и умереть?
О, не, только не я. Я выживу
О, пока я помню, как любить,
Я знаю, я буду жить
У меня впереди вся жизнь
Мне предстоит подарить кому-то всю свою любовь, я выживу
Я выживу
It took all the strength I had not to fall apart
Kept trying’ hard to mend the pieces of my broken heart
And I spent oh so many nights
Just feeling sorry for myself, I used to cry
But now I hold my head up high
And you see me, somebody new
I’m not that chained up little girl who’s still in love with you
And so you felt like dropping in
And just expect me to be free
Now I’m saving all my lovin’ for someone who’s loving me
Мне пришлось собрать волю в кулак, чтобы не расклеиться
Я изо всех сил пыталась собрать свое разбитое сердце
И я ночи напролет
Лишь жалела себя и постоянно плакала
Но теперь я высоко подняла голову
И ты видишь меня — совершенно новую
Я не та скованная девчонка, которая по-прежнему тебя любит
И ты думал, что можешь появиться здесь
И увидеть меня все еще свободной от отношений,
Но я коплю свою любовь, для того, кто любит меня.

В 1979 году I Will Survive заняла первую строчку музыкальных чартов в США и Великобритании, чуть позже получила «Грэмми» как лучшая запись в стиле диско. Как утверждает сама Глория Гейнор, ее совсем не беспокоит тот факт, что I Will Survive затмила все прочие песни, которые она когда-либо пела. Исполнительница утверждает, что никогда не устает ее петь, так как люди по-прежнему любят эту композицию.

P. S. Много разговоров вызвала в 2000 году песня Supreme Робби Уильямса. Певца сразу же стали обвинять в плагиате, так как явственно услышали в Supreme песню I will survive. Однако Уильямс и не скрывал, что основой для новой песни послужил старый диско-хит. В одном из интервью Уильямс рассказал, что когда он путешествовал по Швейцарии накануне нового тысячелетия, туристы, на каком бы языке они не говорили, все время напевали строчки из песни I will survive.

SATISFACTION, The Rolling Stones

 Для 1965 года содержание песни было вызывающим и провокационным. Например, содержащийся в тексте прямой намек на секс и на месячные у девушки. Критики писали тогда, что песня «пугает старшее поколение и расценивается, как атака на существующий порядок вещей». «Официальное» ВВС отказывалось ставить песню в эфир. А в знаменитой телепрограмме Эда Салливана отдельные строчки песни были «запиканы».

Это выступление на телеке в 1965 году. Удивительно пристойное.

А вот 25 лет спустя — более разнузданное, красочное

 

Вот еще одно живописное живое выступление

«(I Can’t Get No) Satisfaction» часто называют поворотным пунктом в истории современной музыки. На сцене в то время доминировали The Beatles с их легким рок-н-роллом, и публика, жаждавшая более «тяжелого» звучания, с восторгом восприняла новый хит. Вот, что по этому поводу говорил продюсер The Rolling Stones Эндрю Олдхэм: «…через несколько месяцев публика пресытится The Beatles и потребует чего-нибудь иного. Я чувствовал, что определенная часть публики жаждет антипода Beatles. Таким антиподом были The Rolling Stones… В те годы публике внушалось, что Beatles вы могли бы пригласить к себе на чай, а Stones — нет». Публика про The Beatles конечно не забыла, но у ливерпульской четверки появился достойный конкурент, а у меломанов достойный выбор.

Все произошло весной 1965 года, группа находилась в турне по США, давали концерт в одном из городов во Флориде. Во время выступления в зале произошла драка, была вызвана полиция, мероприятие пришлось завершить буквально после нескольких песен. Вечером Кит Ричардс у себя в номере отеля импровизировал на гитаре и сочинил рифф, который лег в основу будущей песни. Он включил магнитофон, записал его, напев строчку «I can’t get no satisfaction», и заснул. Следующие 40 минут магнитофон записывал его храп.

Знающие английский язык отмечают, что в названии песни есть грамматическая ошибка — двойное отрицание. Ричардс объяснял это тем, что строчка никакого смысла не несла. Существует предположение, что Ричардс подсознательно заимствовал фразу из песни Чака Берри «30 дней», там есть такая строка: «I can’t get no satisfaction from the fridge». Автором остального текста стал солист Мик Джаггер.

ТЕКСТ (I can’t get no) Satisfaction
Я не могу получить никакого удовлетворения

I can’t get no satisfaction,
I can’t get no satisfaction.
‘Cause I try, and I try,
And I try, and I try.
I can’t get no, I can’t get no. When I’m drivin’ in my car
And that man comes on the radio
And he’s tellin’ me more and more
About some useless information
Supposed to fire my imagination.
I can’t get no, oh, no, no, no.
Hey hey hey, that’s what I say. I can’t get no satisfaction,
I can’t get no satisfaction.
‘Cause I try, and I try,
And I try, and I try.
I can’t get no, I can’t get no. When I’m watchin’ my TV
And that man comes on to tell me
How white my shirts can be.
Well he can’t be a man
‘Cause he doesn’t smoke
The same cigarettes as me.
I can’t get no, oh, no, no, no.
Hey hey hey, that’s what I say. I can’t get no satisfaction,
I can’t get no girl with action.
‘Cause I try, and I try,
And I try, and I try.
I can’t get no, I can’t get no.

When I’m ridin’ round the world
And I’m doin’ this and I’m signing that
And I’m tryin’ to make some girl
Who tells me:
«Baby better come back later next week»
‘Cause you see I’m on losing streak.
I can’t get no, oh, no, no, no.
Hey hey hey, that’s what I say. Я не могу получить удовлетворения,
Я не могу получить удовлетворения.
Причина — я пытаюсь, и пытаюсь,
И пытаюсь, и пытаюсь,
И никак не могу получить, никак… Когда я вожу свое авто,
И тот чувак по радио,
И он говорит мне больше и больше
О какой-то бесполезной информации.
Предполагая зажечь мое воображение.
Я не могу получить никак, о, нет, нет, нет.
Хей, хей, хей, что я и говорю. Я не могу получить удовлетворения,
Я не могу получить удовлетворения,
Потому что я пытаюсь, и пытаюсь,
И пытаюсь, и пытаюсь,
И никак не могу получить, никак. Когда я смотрю ТВ,
И этот чувак опять рассказывает мне,
Какой должна быть моя белая рубашка.
Ну, он же не может быть мужиком,
Потому что он не курит
Те же сигареты, как я.
Я не могу получить никак, о, нет, нет, нет.
Хей, хей, хей, что я и говорю. Я не могу получить удовлетворения,
Я не могу получить боевую девчонку,
Потому что я пытаюсь, и пытаюсь,
И пытаюсь, и пытаюсь,
И никак не могу получить, никак.

Когда я езжу по миру,
Делаю одно и подписываюсь под другое,
И я пытаюсь быть с девушкой,
Которая говорит мне:
«Детка, возвращайся лучше через недельку».
Ну, видишь, у меня полоса невезения.
Я не могу получить никак, о, нет, нет, нет.
Хей, хей, хей, что я и говорю.

Первая версия «(I Can’t Get No) Satisfaction» была записана с губной гармошкой и больше напоминала акустическую фолк-песню. Её забраковали, решив придать «Satisfaction» более тяжелое звучание, а для этого требовалось как можно более мощное звучание главного риффа. Тогда под руку музыкантам попался так называемый «фузз» фирмы Gibson, и было решено исполнить рифф на нем. В своей автобиографии Ричардс написал: «До этого нигде и ни у кого фузз не звучал так тяжело, вот почему это так поразило воображение всех в то время».

По словам Мика Джаггера, «эта песня по-настоящему сделала The Rolling Stones, превратила нас из просто одной из групп в громадную, группу-монстра… У нее очень запоминающийся рефрен-заголовок и классный гитарный звук, который был очень оригинален для того времени. И она уловила дух тех времен, что очень важно для подобного рода песен… Дух социального отчуждения».

 

История одной песни: «BESAME MUCHO», Консуэло Веласкес

«Besame mucho» — одна из знаменитейших композиций ХХ-го века и самая известная песня, написанная на испанском языке. Существует несколько сот версий ее исполнения. Diletant.ru о том, как эта песня покоряла сердца людей.

Автор «Besame mucho» Консуэло Веласкес начала писать музыку в раннем детстве. Известно, что за фортепиано она впервые села в шесть лет, а в пятнадцать уже начала давать уроки игры. Девочка рано осталась без родителей и вынуждена была сама зарабатывать на жизнь. Сама Веласкес позже вспоминала, что музыка была ее единственным способом избежать голода и нищеты. Песню «Besame mucho» знаменитая мексиканка написала в 1940-м году под впечатлением от одной из арий испанской оперы «Goyescas».

Композиция очень быстро полюбилась слушателям и стала набирать популярность в Мексике. В 1944-м году песню добралась и до США. Это было абсолютно триумфальное вторжение в мир американской музыки, где далеко не всегда находится место не английским композициям. «Besame mucho» стала первой мексиканской песней, которая заняла верхнюю строчку в хит-параде США. Что любопытно, американцы слышали не оригинальную версию. Полюбившуюся им версия «Besame mucho» исполнял Джимми Дорси, именно ему песня обязана своей популярностью в Штатах.

Уже после войны песня стала популярна и в Европе, а вскоре появились и музыканты, желавшие записать собственные версии. Всего «Besame mucho» исполняли без малого двести разных певцов и групп. Среди них совершенно затерялся первый исполнитель композиции — теперь уже совсем забытый мексиканский тенор Эмилио Туэро. Однако, благодаря «Besame mucho», Туэро встал в один ряд с Фрэнком Синатрой, Сезарией Эворой и Луи Армстронгом. В начале 60-х «Besame mucho» регулярно исполняли на своих концертах Битлы.

Добралась песня и до закрытого от всего мира Советского Союза. Что любопытно, на первой пластинке, которая появилась в СССР не было указано ни имя исполнителя, ни имя автор музыки и слов. Впрочем, имя Консуэлы Веласкес быстро стало известно в Союзе. Тем более, что «Besame mucho» звучит во многих известных советских фильмах, в том числе и в оскороносном «Москва слезам не верит», — Владимира Меньшова. Угодила песня даже в мультсериал «Ну, погоди!». В 14-м выпуске мультфильма, где волк преследует зайца в доме юного техника, можно услышать «Besame mucho» в аранжировке немецкого музыканта Клауса Вундерлиха.

Песня переведена на многие языки мира, а современные исполнители, поющие ее на испанском, нередко изменяют текст композиции. Оригинальный текст, написанный самой Веласкес, выглядел так.

Оригинальный текст песни:

Bésame, bésame mucho
Сomo si fuera esta noche la última vez
Bésame, bésame mucho
Que tengo miedo a perderte, perderte después.

Quiero tenerte muy cerca,
Mirarme en tus ojos, verte junto a mí.
Piensa que tal vez mañana
Yo ya estaré lejos, muy lejos de tí.

Bésame, bésame mucho,
Como si fuera esta noche la última vez.
Bésame, bésame mucho,
Que tengo miedo a perderte, perderte después.

Даже тем, кто не знает ни слова по-испански, известно, что фраза besame mucho переводится на русский как «Целую меня еще». Сама Веласкес признавалась, что на момент написания песни еще ни с кем не целовалась.
diletant.ru

ИСТОРИЯ ПЕСНИ JE SUIS MALADE


Этом милом вопле раненного сердца, гимне всех больных… душевнобольных, который помнится особенно рьяно бередил мое нутро жарким летом 2007, когда я чуть ли не в форточку вылазила, чтобы проорать его погромче, а также в более тихие моменты моего сумасшествия — иными летами, зимами, вчера, сегодня, завтра, всегда.
Немного из истории этой песни. Ее авторы — Serge Lama и Alice Dona.Первая исполнительница — легендарная Далида(Иоланда Джильотти), памятник которой по сей день стоит на Монмартре в Париже, а память живет в сердцах миллионов. Пел ее также сам Серж Лам (одноименный альбом 1973 года), а в 1995 году впервые на французской сцене, при большой поддержке автора, «Je suis malade” впервые исполнила Лара Фабиан. Эта песня и сценический дуэт с Сержем ознаменует ее возвращение из Канады во Францию, что показательно.
В 2007 Лара Фабиан откроет свой единственный в том году концерт в Москве, именно этой песней и первый куплет произнесет на русском: «Я больше не курю, я больше не мечтаю, У меня больше нет прошлого, Без тебя я грязна, без тебя я не красива, как сирота на тротуаре…»

До сих пор многие спорят, кто же все-таки более достойно справился с задачей. О Серже Ламе, как правило, в спорах не упоминается. Речь идет о двух итальянках — Далиде и Ларе. Для Далиды эта песня как бы то ли случайно, то ли потому что писалась для нее перекликается с ее жизнью, которая так и закончилась — с таблетками и виски, в тревожном сне 54-х летней женщины, усталой, одинокой, которой жизнь дала так многое и так многое отняла.
У Лары Фабиан за плечами куда меньше потерь, да и вредных привычек не наблюдается, но сам Серж Лам неоднократно признавался ей в любви, говоря, что так исполнить Маладу, как она не мог бы никто. Она открыла новые грани этой песни, как в плане вокала, так и в плане душевного эксгибиционизма (когда упала на сцену Олимпии в 2003 в своей концертной программе
En toute intime).

Так кто имеет право исполнять Je suis malade… Думаю правильный ответ: «каждый». Как писал Хэмингуей «жизнь ломает каждого, но сильный только крепчает на изломе». И вот где-то на этом самом изломе каждый человек может с полным правом напеть пару строчек этой бессмертной композиции.

Конечно эта песня, своим сюжетом обязывает на некоторую откровенность, такое поется изо всех сил (желательно, из последних). 

Далида —Je suis malade красивейшая склейка из выступлений разных лет


Далида, Олимпия 1 апреля 1981 года. В этом выступлении видно, что Лара Фабиан в эмоциональном многое заимствовала у первой исполнительницы

Лара Фабиан — 2003 (программа En toute intime в парижской Олимпии)

Я больна, Я больше не желаю Я больше не мечтаю,
Я больше не курю…
У меня даже больше нет истории…
Я одинока без тебя,
Я уродлива без тебя,
Словно сирота в общей палате…

Проживать мою жизь,
Моя жизнь обрывается, когда ты уходишь,
Я больше не живу…
И даже моя кровать
Превращается в перрон вокзала,
Когда ты покидаешь ее…

Абсолютно больна,
Словно когда вечерами моя мать уходила
И оставляла меня наедине с моим отчаянием.
Я больна,
Совершенно больна…
Ты приезжаешь, никогда неизвестно, когда…
Ты снова уезжаешь, никогда неизвестно, куда…
И скоро будет два года,
Как ты поступаешь так…

Как к скале,
Как к греху
Я прикована к тебе…
Я устала…
Мне надоело
Притворяться счастливой, когда они здесь…
Целыми ночами я пью….
Но все виски
Для меня на один вкус…
И все корабли несут твои флаги,
Я больше не знаю, куда идти, ты – повсюду…

Я больна, абсолютно больна,
Я проливаю свою кровь в твое тело,
И я словно мертвая птица, когда ты бездействуешь…
Я больна, совершенно больна…
Ты лишил меня всех моих песен,
Ты вынул из меня все слова,
Но все же до тебя у меня был талант…

Эта любовь убьет меня, если так продолжится…
Я умру в своем одиночестве…
А рядом с моим радио, как идиотка,
Я слышу свой собственный голос, который поет…

Я больна, абсолютно больна
Словно когда вечерами моя мать уходила
И оставляла меня наедине с моим отчаянием.
Я больна,
Да, это так, я больна…
Ты лишил меня всех моих песен,
Ты вынул из меня все слова,
И сердце у меня — совершенно больное,
Окруженное баррикадами…
Ты слышишь… я больна…
 Je ne reve plus
Je ne fume plus
Je n’ai meme plus d’histoire
Je suis sale sans toi
Je suis laide sans toi
Comme une orpheline dans un dortoir

Je n’ai plus envie
De vivre ma vie
Ma vie cesse quand tu pars
Je n’ai plus de vie
Et meme mon lit
Se transforme en quai de gare
Quand tu t’en vas…

Je suis malade
Completement malade
Comme quand ma mere sortait le soir
Et qu’elle me laissait seule avec mon desespoir

Je suis malade
Parfaitement malade
T’arrives on ne sait jamais quand
Tu pars on ne sait jamais ou
Et ca va faire bientot deux ans
Que tu t’en fous…

Comme a un rocher
Comme a un peche
Je suis accrochee a toi
Je suis fatiguee
Je suis epuisee
De faire semblant d’etre heureuse quand ils sont la

Je bois toutes les nuits
Et tous les whiskies
Pour moi ont le meme gout
Et tous les bateaux
Portent ton drapeau
Je ne sais plus ou aller
Tu es partout…

Je suis malade
Completement malade
Je verse mon sang dans ton corps
Et je suis comme un oiseau mort
Quand toi tu dors

Je suis malade
Parfaitement malade
Tu m’as prive de tous mes chants
Tu m’as vide de tous mes mots
Pourtant moi j’avais du talent
Avant ta peau…

Cet amour me tue
Si ca continue
Je creverai seule avec moi
Pres de ma radio
Comme un gosse idiot
Ecoutant ma propre voix qui chantera…

Je suis malade
Completement malade
Comme quand ma mere sortait le soir
Et qu’elle me laissait seule avec mon desespoir

Je suis malade
C’est ca…je suis malade
Tu m’as prive de tous mes chants
Tu m’as vide de tous mes mots
Et j’ai le c?ur completement malade
Cerne de barricades
T’entends… Je suis malade… 

liveinternet.ru

***

Обложка альбома Чеслава Немена «Dziwny jest ten świat» (1967)

Dziwny jest ten świat (в пер. с польск. Странная штука, этот мир) — первый сольный альбом польского музыканта Чеслава Немена, выпущенный в 1967 году. 20 декабря 1968 года получил статус золотого (продано 160 000 копий).

Назван по главной композиции — песне «Dziwny jest ten świat», с которой Немен впервые выступил и триумфально победил на фестивале песни в Ополе в июне 1967 года. Нетипичная для советской Польши того времени чувственная и смелая манера исполнения сразу же покорила и зрителей и жюри конкурса. Песня стала чрезвычайно популярна в Польше и позже в Европе. В 1969 годупрозвучала в итальянском варианте под названием «Io senza lei».

Dziwny jest ten świat,
gdzie jeszcze wciąż
mieści się wiele zła.
I dziwne jest to,
że od tylu lat
człowiekiem gardzi człowiek.

Dziwny ten świat,
świat ludzkich spraw,
czasem aż wstyd przyznać się.
A jednak często jest,
że ktoś słowem złym
zabija tak, jak nożem.

Lecz ludzi dobrej woli jest więcej
i mocno wierzę w to,
że ten świat
nie zginie nigdy dzięki nim.
Nie! Nie! Nie!
Przyszedł już czas,
najwyższy czas,
nienawiść zniszczyć w sobie.

Lecz ludzi dobrej woli jest więcej
i mocno wierzę w to,
że ten świat
nie zginie nigdy dzięki nim.
Nie! Nie! Nie!
Nadszedł już czas,
najwyższy czas,
nienawiść zniszczyć w sobie.

Добавить комментарий

Заполните поля или щелкните по значку, чтобы оставить свой комментарий:

Логотип WordPress.com

Для комментария используется ваша учётная запись WordPress.com. Выход / Изменить )

Фотография Twitter

Для комментария используется ваша учётная запись Twitter. Выход / Изменить )

Фотография Facebook

Для комментария используется ваша учётная запись Facebook. Выход / Изменить )

Google+ photo

Для комментария используется ваша учётная запись Google+. Выход / Изменить )

Connecting to %s